kyoko takenaka web

先週観たダンスについて。
「いい」作品とは、
大きく分けて２種類のものがあると思う。
一つは、
その場に居合わせた人全員を満足させてしまうほど圧倒的なもの。
そして、もう一つは、
社会に認められなくても、
たった一人の人生を変えてしまう可能性を孕んでいるもの。
パリの秋のフェスティバルのプログラム作品、
レイモンド・ホーゲの『パ・ド・ドゥ』
男性二人のダンサーによる、２時間にわたるスペクタクル。
http://http://www.theatredelacite.com/#/spectacle/218675/raimund-hoghe
きっと、この作品は、後者だと思う。
なんと、共演者は、Takashi Uenoさんと日本人。

Raimund Hoghe氏は、1980年から1990年までの10年間、
ピナ・バウシュのウッパータール舞踊団にて、
ドラマツルギーをつとめていました。
以後、自らの作品を年に一回ペースで発表し続けています。
http://www.raimundhoghe.com/index.html

この写真でもわかるように、
彼は、背中に大きなこぶがあります。
この、自分の身体のと向き合うところが、
彼のダンスの出発点だったそうです。
タイトルの『パ・ド・ドゥ』とは、日本語で「2人のステップ」という意味。
バレエ作品において、通常、男女二人によって展開されるダンスのこと。
ちなみに、同性二人で、踊る場合は「デュエット」といい、区別されている様です。
今回は、もちろん、男性二人によるデュオ。
今作品のすべての出発点は、
前作で共演した、Takashi Uenoさんと出会ったことだそうです。
前作を観ていた友人が、
前作ではそんなに目立ってなかったけどなあ、と話していたけど、
作品が始まったら、
どうして、彼が選ばれたのか、
一瞬にしてわかりました。
全体を通して、ゆったりとした動き、日常的な動きが続き、
派手なテクニックを要するような「ダンス」は、
ほぼ見られませんが、
二人の間の信頼関係が、もうにじみ出て、溢れ出て、
私は、心地よくもぐったり疲れてしまいました。
例えば、冒頭、
Takashi Uenoさんが、舞台の後方に向かって、
ゆっくりゆっくり歩いて行くシーンがあるのですが、
この振付に対する、
疑念とか、不信とか、そういったものが一切ない。
そんなの当たり前だと思うかもしれませんが、
こんなに目に見えてしまうくらいの振付家に対する信頼、
そして、彼の身体のために作られた振り付け。
これらが、時間とともに、
どんどん空間を浄化していく。
浄化（カタルシス）というと、
アリストテレスは悲劇の効果のひとつとして言及したことで有名ですが、
フランスの詩学では、
これは、「おそれとあわれみ」によって、観客にもたらされる効果とされているそうです。
「おそれとあわれみ」、
これは、今回の作品に当てはまると思う。
なぜなら、決して「共有」ではないから。
舞台芸術作品の提示の方法として、
その場、その瞬間に立ち会ったと実感できるものと、
見ては行けないものを、覗いてしまったと実感してしまうものに、
分けれるとしたら、
絶対に、後者。
カタルシスを伴うほど、神聖なものは、
もはや、人に見せるために作られたのかどうかさえ、
疑ってしまう。
そして、このような、
決して万人受けするとは言えない作品を、
自信を持って、
毎年フェスティバルに呼んでいるフランスには、
やはり頭が下がる。
こういう作品のために、
「作品」と「観客」の橋渡しをする、
「プロデューサー」という仕事があるんだな、とつくづく思いました。

18区のコンセルバトワールで開かれている、
マリオネットの授業が一般公開されるということで、
サン・ジェルマン地区の劇場へ。
MPAA SAINT-GERMAIN
http://www.mpaa.fr/Programme?year=2011&month=12&day=03&event=Initiation-aux-arts-de-la-marionnette&e_id=2781
18区の生徒の数人とは、演出のクラスで一緒に授業を受けているので、
知っている顔もちらほら。
劇場の舞台で、授業が行われていて、
私たちは客席で見学するかたち。
フランスには、
国立のマリオネット専門の学校があって、
Ecole Supérieure des Arts de la Marionnette
http://www.marionnette.com/
先生のニコラとアレキサンドラは、
この学校の卒業生。
現在は、自分たちのカンパニーで作品を発表しつつ、
18区のコンセルバトワールで週に３時間、教えているそうです。
この授業もオプションなので、
私たちも選択することが出来るのですが、
自分たちの必修授業と時間がかぶっているため、選択不可能。
むしろ、今日まで、
マリオネットなんて、一切興味がなかったので、
私は、調べてもいなかったのですが、
今日の公開授業をみて、
一変…!!!
たった１時間の公開授業＋質疑応答だったのですが、
結局、先生や18区の友達に質問したいことがありすぎて、
３時間も長居してしまいました。
まず、基本的なエクササイズから。
俳優は、床に寝て、片手にマリオネット（表情のない白っぽいニュートラルなもの）をかぶせ、
肘で固定して立たせます。
そして、ひたすらマリオネットに集中する。
マリオネットをつけずに、自分の手でやることもあるそうです。
ここで、何の感情も持たないはずのマリオネットが、
自分自身の身体から発せられる微々たる動きによって、
いろんな表情を見せてくる。
徐々に、言葉を使い、
マリオネットを通して、自分に関わる。
「起きて！朝だよー！！」
横たわっている自分の身体に、コンタクトする。
次は、立って、
２種類の対照的なエクササイズ。
１つ目は、マリオネットにイニシアティブをとらせ、
俳優が動かされる。
このとき、俳優は極力無表情。
マリオネットが、俳優の身体にふれたり、接触をこころみることによって、
俳優の身体は、完全に受け身。
むしろ、俳優がマリオネットのように見えてくる。
２つ目は、マリオネットを固定させ、
その周囲を俳優が動き、
マリオネットに関わりを持っていく。
前者とは、反対で、このときのイニシアティブは俳優。
俳優は、自分の動作に意味を持たせたり、感情を持たせたりすることが出来る。
ここで、おもしろいのが、
結局、マリオネットも、マリオネットに対している俳優も、
自分自身だということ。
自分と向き合っている、マリオネットを生かしているのも自分自身だということ。
この点が、俳優の訓練に、大きな作用をもたらすと、
先生は言っていました。
俳優は、マリオネットを介して、
自分の身体を操っている。
相手に、影響を与えるときと、
相手から、影響を受けるとき、
この二つがクリアじゃないとマリオネットは決して成立しない。
同時に、俳優は、自分とマリオネットの間に生じる、
距離を操作することによって、
空間を把握することも求められる。
最後に、この公開授業を企画したプロデューサーが、
今まで、マリオネットは、
マリオネットの作品のためだけに、
使われてきたけど、
俳優がより繊細になるための訓練として、
非常に役立つはずだ、と言っていました。
日本の人形劇の場合、
浄瑠璃にしても、ひょっこりひょうたん島にしても、
操作している俳優は、
顔や姿を隠していて、
人形と直接コンタクトするなんて、もってのほかですが、
フランスでは、
両方あるようです。
もちろん、俳優の訓練としては、
常に、自分と対峙させることが重要なので、
棒に糸をつけて操るよりも、
自分の手に直接かぶせるパペットタイプの方が、多いそうですが。
それにしても、奥が深い。
マリオネットのサイズも、重要なポイントだと思う。
ちょっとでも、指先が動いただけでも、
マリオネットの小さな身体には、大きく作用し、
そっぽを向いたようにも、
首を傾げたようにも、
うなずいたようにも見える。
ペットボトルの中の水を、４分の１くらい飲んでおくと、
水は、ずっーと形を変えてく。
この25％くらいのミステリーが、
あり得ないほど巨大なイマジネーションを孕んでいると思うと、
恥ずかしながら、
ドキドキしてしまう。

俳優・脚本家・映画監督などで活躍しているジャン＝ミシェル・リブ氏が芸術監督を務める劇場、
Théâtre du Rond-Point（テアトル・デュ・ロン＝ポワン）
http://www.theatredurondpoint.fr/
シャンゼリゼに位置し、
古典からモダンまで、幅広い戯曲を扱うことで有名な劇場です。
東日本大震災の被災者支援のためのチャリティ・コンサートも開催されていました。
そして、
今年10周年を記念して、
コンセルバトワールの生徒を対象にした、劇作コンクールが開催されます。

http://www.theatredurondpoint.fr/saison/fiche_evenement.cfm/118354-concours-d-ecriture-2012-:-dans-quel-etat-sommes-nous-.html
コンクールのテーマは、
“Dans quel état sommes-nous?”
直訳すると、「私たちはどのような状態にいるか？」
となるのですが、
étatという単語が、ミソで、
「状態、状況」
という意味の他に、
éが大文字になると、
「国家、政府」
という意味になります。
さらに条件が３つ。
１、劇作家は演出をしてはいけない。
２、演出家は、作品に出演してはいけない。
３、役者は６人以下。
そして、このコンクールに通ると、
なんと、テアトル・デュ・ロン＝ポワンで、６回公演、
さらに、同じくパリ市内のサン・ジェルマン地区の劇場（MPAA St Germain）でも、
６回、公演する権利が与えられます。
もちろん、製作はすべて、劇場が行います。
15区では、昨年から、このコンクールの噂を聞きつけていた、
３年生の女の子二人が、
すでに、プロジェクトを組んでいて、
私は、役者として、参加することに。
もちろん、全員参加ではないので、
稽古はすべて授業外。
昨日は、２回目の稽古でした。
パリ市内の劇場が、公演のない時間帯に、
コンセルバトワールの生徒に、劇場を稽古場として提供しているので、
学校の近くの劇場にて、稽古。
客席もある場所で稽古できるなんて、贅沢。
コンクールまで、まだ時間があるので、
実験的に、いかに、身体を使えるかを探りたいとのこと。
おもしろかったのが、
二人組のエクササイズで、
一人は目をつぶり、
もう一人は、小さなお菓子とか、みかんとかを、
相手の口元に近づけます。
目をつぶっている方は、
食べ物を感知した瞬間に、
それを食べようとします。
口（頭）に、くっついて、身体もだんだんに動いてくる、
本能丸出しのエクササイズ。
作品の稽古としては、
もうだいぶ前から出来上がっている戯曲（台詞はほとんどない。）
を、立体化して行く作業。
昨日は、演出家から、
「自分の好きな死に方を音楽と一緒に考えて、そのイメージに合う絵を見つけてくること」
という、宿題が出ていたので、
ショパンのエチュード＃９をかけて、

愛してる人抱き合っている最中に、
「私に、毒をちょうだい！私に、毒をちょうだい！私に、毒をちょうだい！」
といって、
接吻されて、毒をもらって、
それから、
１分間床で、
愛している人の見ている前でもがき苦しんで死ぬ、
という謎の願望を発表したところ、
採用されました笑
やっぱり、
みんなで集まって稽古する時間って、
未知。
ごつごつした石が、
綺麗なお洋服を着せてもらったとたん、
足が生えて、外に出かけて行く。
オーディションは来年の２月末です！！

フランス語に [oser] （オゼ）という動詞があります。
[to dare]
直訳すると「思い切って〜する」という意味の動詞です。
否定形で使うと、「そんなこと出来る訳がない」
というような意味になります。
この動詞、
演出の授業で、超頻出単語！！
役者が、舞台上でいかにリスクを冒せるか、
常に、安全な場所には、決してとどまらない。
というか、このクラスの授業自体が、
私には、常に、戦場で、
まさに、oserの連続。
さもないと、
まさに、「開けない缶詰」
美味しく食べることもないし、
かといって、
腐ることもない。
今日の、課題は、『地下室の手記』の中の、
リザと男が娼婦と客として、出会うシーンを、
それぞれが演出プランを持って、
パートナーと発表すること。
もちろん、戯曲ではなく、小説なので、
概要だけ決めて、
あとは、インプロビゼーション的な形で進める。
私は、まず、パートナーを頼むことがozer出来ませんでした。
作品の途中で、言葉がわからなかったら、
ぶちこわしてしまうし、相手に迷惑かけるし…
なにも準備できないまま、授業へ。
発表の前のエクササイズとして、
シーンを物語の過程にそって、
５つに分けて、
それぞれにタイトルをつけ、
その５つの変化がしっかりわかるように、
二人の身体だけで進行させていく、
というものをやることに。
タスクは、
シーンの変わり目を、二人で感じ取って、
タイトルを同時に言う。
本当は、決まったパートナーと二人で行うエクササイズだったのですが、
これしか参加できない！
と思って、
「やりたいけど、相手がいません！」
と、oserしてみました。
そしたら、近くにいた男の子が、
「やっていい？」
と、言ってきてくれて、
なんなくスタート。
相手を常に意識していないと、
タスクが達成できないので、
どちらがイニシアティブをとるか、常に集中して、
後半は、二人の間に、
徐々に、関係ができて、
大胆にoserできました。
そのあと、他の子が、
パートナーを頼んで来てくれた。
どうやら、
「はじめの一歩」の次は、
２歩目じゃなくて、
やっぱり、また、
「はじめの一歩」
みたい。
それにしても、
いつも思うのが、
こっちの生徒たちは、
まだ若いのに、男女の絡みも、
なんのはずかしげもなく、
作品において、必然さえあれば、
稽古でもいつでも、
どんどんやる…
やっぱり、
ちょっとどぎまぎしてしまう。

大学で哲学を専攻している男の子が、
自分で作品を書いて持ってきて、クラスで発表しました。
みんな、結構、戯曲を書くことに慣れているらしく、
今までにも、何人かが、
自分で作品を書いてきて、
発表していました。
「私は、幽霊です。」
という、一文から始まる彼の戯曲は、
簡単な言葉だけで、
構成されていて、
それだけに、
何とも深い…。
はじめは、
子どもじみた文章が続くのに、
最後の方に、
「意味、それは、涙です。」
「意味、それは、苦しみです。」
という、２文がいきなり入ってくる。
私は、この部分にやられました。。
彼が、発表し終わった後、
クラスのみんなが、
もっとこうやって演じたらいいじゃない？とか、
こういう言い方をしてみたらいいんじゃない？とか、
いろいろ発言してたけど、
彼は、
この作品を演じることに、あんまり興味がない。
と、あっさり一言。
そこで、私が名乗りを上げて、
この戯曲を受け継ぐことに。
前半、クラウンの要素がたっぷりの戯曲なので、
発音が悪いことが有効に作用すると思ったのです。
途中で、意味のない言葉をべらべらとしゃべるシーンは、
勝手に「外郎売り」に変えて日本語でやりました笑
現在、私が作品を発表する上での、
フランス語とのつきあい方は主に３通り。
１、フランス語がしゃべれないことをあえて、強調する。
２、フランス人に台詞を録音してもらって、ひたすら聞き、極力ナチュラルになるまで練習する。
３、日本語の翻訳を使う。
面白いのは、
完全に自分の身体と声の感覚が変わってしまうこと。
とにもかくにも、
これを、コントロールできるようにならないと、
「フィクション」としては、扱えない。
私は、
絶対に、
演劇の「フィクション」を冒したくない。
身体に負荷がかかればかかるほど、
「現実」を、
隠せなくなる。
作品を、発表して、
クラスでの討論のとき、
いつも、話題にあがるのは、
ある行為が、
「意図的」であったのか、
それとも、なかったのかと、
いうこと。
私が、フランス語の発音が、
めちゃくちゃ悪いことも、
「意図的」に使えば、
絶対に、作品として成立する。
と、思いたいと、思っている。