『#体毛カワイイ』@ドラマツルギークリニック

4月27日28日に東京で行った、体毛から自由になるための勉強会『#体毛カワイイ』、

2日間で、予想をはるかに上回る、50名の方に参加をいただき、たくさんのリアクションとアドバイスを頂きました。

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そして、先月末5月28日、カナダのモントリオール市にて毎年5月下旬から6月上旬に開催されているフェスティヴァル・トランスアメリーク(Festival TransAmériques)内のプロジェクト「クリニック・ドラマツルギー」にて、作品の「診察」を受けました。

Cliniques Dramaturgiques

この企画は、生まれたばかりの舞台芸術作品、もしくは、企画段階の作品に対して、

各国から集まったプロのドラマツルギーの方の「診察」を受ける、というもの。

今年は、フランス、ドイツ、カナダ、ブラジル、キューバから集まった、

ダンス、演劇、劇作を専門とするドラマツルギー7人が担当する。

まずは、事前に企画書による審査があり、

審査を通過した14作品が、フェスティバル側が指定したドラマツルギーの一人と、

一対一で90分間の「診察」を受けることができる。(言語はフランス語か英語を選択可能。)

このカウンセリング以外に、すべての人に開かれた「ドラマツルギー朝ごはん」と「ドラマツルギーミーティング」がある。

「ドラマツルギー朝ごはん」では、広義での”occupation”をテーマに、それぞれの国の舞台芸術の現状と、主に創作環境に関する課題を話し合う。

翌日の「診察」では、ブラジルで活動するドラマツルギー、演出家、映画監督であるマルタ(Martha Kiss Peronne)に90分のカウンセリングを受ける。

事前の説明会で、このカウンセリングは、作品をどう売り込んでいったらよいかを考える時間ではなく、アーティスト自身の創作背景を踏まえて作品を捉えていくことが狙いだと言われていたので、私は以下の3点の不安を軸に『#体毛カワイイ』という作品を紹介した。

1,女性として(子どもができたら、どうやって演劇続けたらいいの?)

2,俳優として(セリフって絶対覚えなきゃダメ?)

3,フェミニズム的主題(フェミニストって闘わなきゃダメ?)

 

「体毛」というテーマに関しては、2017年頃から、

東京に戻ってくるたびに、脱毛サロンの車内広告の存在が自分の中に大きくなっていき、

いつか、「体毛」についてしっかり勉強したいと考えていた。

昨年、結婚して、俳優と主婦の二重生活がスタートした。

と言っても、主婦であり俳優でもある、という同時進行ではなく、

私の場合、フランスでは主に俳優であり、日本では主に主婦である、という生活である。

公演やリハーサルに関わってない時期とはいえ、

俳優は俳優のままなのだが、非拘束な時間でのクリエイティビティの優先順位は、

簡単に下がってしまう。

将来、子どもができた時のことを考えると、ひどく不安である。

もし、あなたが俳優で、直接的な俳優活動に関わる拘束がないとき、

「日々の生活」は、あなたが俳優であり続けることをなかなか許してくれない。

さて、そんな時、どのように、自分の俳優として身体を「クリエイティブ」な空間に起き続けることができるか。

 

次に、俳優として。

地方公演を含め、年間半分以上の時間を舞台の上で過ごすようになり、いつになってもなくならないのが、台詞へのストレス。

フランス語の古典のテキストを扱う場合、どうしても台詞を「覚える」という感覚に陥ってしまうので、もし、忘れたらと思うとなかなか恐怖がなくならない。

「演じる」ではなく、「語る」へのシフトチェンジを求めて、台詞との新しい付き合い方を探していた時に出会ったのが「講演会」。

頭の中で、すでに深く理解していることを「語る」。これが、台詞でもできたらなあ。

 

そして、最後は、フェミニスト的主題を扱うことに関して。

体毛のことを調べながら、「闘わないフェミニスト」像とはなんだろうと、ひたすら考えてきた。

そこで、どうしても必要不可欠だったのが、男性の存在だった。

男性に囲まれて考える「体毛」、異性に対するコンプレックスは、異性と一緒に解決。

 

マルタは、私の話に耳を傾け、彼女の住む街リオデジャネイロの状況と照らし合わせて、東京やパリの環境と比較しながら、ひとつひとつ、私の不安の種を紐解いていく。

ブラジルには、文化省というものが存在しないので、

舞台芸術も、劇場というより、街の広場や工場跡地などで行われることが多いので、

演劇行為自体が、社会的もしくは政治的運動(ムーブメント)となるということ。

また、リオデジャネイロの女子高校生たちは、政府への反抗の気持ちで、

ムダ毛をあえて生やしている、という話をしてくれた。

「身体」というものは、コンテクストによって、

こんなにも勝手に「主張」を変えるのだということに驚愕。

 

それにしても、久しぶりに「希望」でしかない時間を過ごした。

何かを「産みだす」ということは、

常に、一喜一憂をもたらすもの。

ただ、舞台芸術は一喜一憂に合わせて、「育てる」ことも、「寄り添う」こともできる。

そんなときに、自分とは全く違う人生を生きてきた先輩に背中を押されたら、

自分が悩んでたことより、もっと壮大な課題が見えてきて、不安よりもわくわくする。

4月に神保町のカフェにこもって作った作品が、

フランス語の企画書になり、

フランス語圏のカナダ・モントリオールまで旅して、

ブラジル・リオデジャネイロのアーティストとの出会いを運んできてくれたことに感謝。

 

 

 

 

 

 

 

 

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(現代)俳優における「昇進」とは何か?

古典バレエとコンテンポラリーダンスの違いのひとつに、

「配役のヒエラルキーの排除」があげられるように、

古典劇と現代演劇の違いにも、同じことが言える。

俳優は、脇役から、「昇進」して、主役になるというより、

いかに、「作品」の一要素になることができるかが求めらる。

そこで、「スター俳優」の定義への変化が起こった。

「目立つ」俳優から、「目立たせられる」俳優へ。

自分が目立つのではなく、共演者を「目立たせられる」俳優。

この技能を持った俳優たちの集団のなかで、相互作用が起こり、作品が昇華していく。

(過去のブログ記事:近所のおばさんに自信をもって俳優やってますって言えるだろうか。

 

つまり、現代俳優における、個人的「昇進」は、極めて難しい。

そして、それでも、俳優は年をとる。

フランスでは、社会制度の充実のおかげで、

俳優同士のカップルでも、

家をローンで買って、子どもをふたり育てている、

ということも稀ではない。

彼らにとって、至極重要なのは、「コンスタントに仕事をする」ということである。

しかし、人間の欲を満たすために必要なのは、

「社会的」昇進と「精神的」昇進の両方ではないだろうか。

前者は、社会的地位の昇格、またそれに伴う給与の増加などが中心だが、

後者は、なんといっても、「自己満足」による達成感である。

例えば、自分が、上司から仕事を教えられる立場だったのが、部下ができ、人に頼られる立場になったり、

今までは、プロジェクトの末端で関わる、いちメンバーに過ぎなかったのに、プロジェクトリーダーとして、責任ある立場を任されたり。

「精神的」昇進は、「社会的」昇進への不満さえもフォローする、未来への力を兼ね備えているのではないか。

ここで、演劇に話を戻して、注目したいのが、演出家と俳優の関係=上司と部下ではない、ということである。

俳優と演出家、このふたつの仕事は一見地続きにみえて、専門の異なる分野なので、「昇進」というワードは介在しない。

さらに、俗に言う「スター俳優制」の排除がおこったことによって、

俳優の中での、「社会的」昇進は見込めなくなった。

では、俳優はいかに、「精神的」昇進を可能にして、未来へのパースペクティブ(展望)を開くか。

俳優と並行して、別の分野でプロジェクトを始めることで得られるのかもしれない。

次の世代に伝えていくことを始めるのかもしれない。

もしくは、プラベートの生活のなかで得られる「精神的」昇進なのかもしれない。

 

30代は、業界関係なく、さまざな意味での「昇進」が、姿をちらつかせる時期である。

例えば、20代で、オーディションを受けて、人に選ばれる立場を経験することと、

30代で同じことをするのとでは、だいぶ、感覚が違うのではないだろうか。

俳優は、年齢とお付き合いしていくことが、非常にデリケートな職業なのである。

私が、個人的に懸念しているのは、俳優が、俳優という立場上、他者(演出家など)のプロジェクトに関わる環境が多いと思うのだが、

そういう状況下において、円滑に物事が進むように、自分を飼い馴らしてしまうことである。

年を重ねるとともに、年相応に扱いにくくなれば、それでいいのではないかとさえ思う。

「社会的」昇進があまりなかったとしても、

「精神的」昇進を続けた先に、そんな年相応な俳優像が見えてくるのではないか。

それは、20代のように、周りの期待に応えたい、超えていきたい!というようなフレッシュな心意気ではないかもしれない。

でも、30代の「精神的」昇進を続ける、

「たくましさ」とほんの少しの「あつかましさ」があってもいいのかもしれない。

 

ケルンのルートヴィヒ美術館でみつけた、ルネ・マグリットの絵『La géante』

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私は、この絵に、まさに、30代の「たくましさ」とほんの少しの「あつかましさ」を見たような気がした。

求められることを、求められる場所で、カタチにしようとしてきたのが20代なら、

与えたいことを、与えられる場所で、カタチにしたくなるのが30代なのかもしれない。

 

竹中香子ミーティング演劇vol.1 ワーク・イン・プログレス 『#体毛カワイイ』

『#体毛カワイイ』

2017年に電車のつり革広告で見つけた「見られるのはイヤだけど、見られないのはもっとイヤ。脱げない自分は、脱ぎ捨てた。」という脱毛サロンのキャッチコピーに衝撃を受け、体毛への興味が高まりました。男性目線を利用した女性を対象とした広告に、嫌悪感よりも、お見事!という声を上げてしまいそうになった。でも、一体、私の体毛ってそもそも誰のもの?

日本社会に蔓延る体毛にまつわる「暗黙のルール」に縛られず、自分だけの「体毛感」を得るためには、まず、勉強が必要。
思春期のモテ・非モテ、親との葛藤、一夜限りの関係、美女との温泉体験、フランスのナチュラル志向、そして、自身の結婚まで、体毛という観点から再思考してみました。体毛のあり・なし、を問うのではなく、体毛への多様な視点が飛び交う民主的空間をつくりたい。
というわけで、嫌われものの「体毛」から自由になるための勉強会を企画しました。

ミーティング演劇とは、前半:パフォーマーによる「講演会」+後半:パフォーマーと観客による「会議」で構成される演劇です。もちろん、「会議」での発言は強制ではありません。お茶菓子を用意してお待ちしております。

 

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竹中香子 プロフィール

1987年生まれ。2011年、桜美林大学総合文化学群演劇専修卒業後、渡仏。2013年、日本人としてはじめてフランスの国立高等演劇学校の俳優セクションに合格し、2016年、ディプロマを取得。パリに拠点を戻し、フランス国公立劇場の作品を中心に多数の舞台に出演。2017年より、日本での活動も再開。一人芝居『妖精の問題』(市原佐都子作・演出)では、ニューヨーク公演を果たす。日本では、さまざまな大学で、自身の活動に関する特別講義を行う。日本における「演劇の義務教育化」を目標に、“ダサい”と思われがちな演劇のイメージ払拭に努める。【HP】https://mill-co-run.com

藤田一樹(助手) プロフィール

1991年生まれ。平田オリザ率いる劇団青年団の演出部に在籍後、2015年渡仏。アンジェ国立現代舞踊センターに付属する国立高等現代舞踊学校に合格し、2018年、ディプロマを取得。ジェローム・ベル、ジョナタン・カプドゥヴィエル、フィリップ・ドゥクフレらの作品に出演。2016年からはキム・キドの創作活動に中心メンバーとして参加。2018年、彼との共作デュオをソウル・シンチョン劇場にて発表。現在はアナ・リタ・テオドロ(フランス国立ダンスセンター・アソシエイトアーティスト)の新作に出演中。
【HP】https://kazukifujita.tumblr.com/

日時

2019/04/27  OPEN 18:30 START 19:00
2019/04/28  OPEN 18:30 START 19:00

会場

リトルトーキョー

参加費

500円+1ドリンク制

ご予約はこちらから:https://meetingengeki-taimo.peatix.com/view

俳優が仕事ない時の「イニシアティブの放棄」、あり?なし?

ちょうど1年前から関わっていた作品、

『Certaines n’avaient jamais vu la mer』のツアーが終わった。

1年間やってきた、この「日本人役」メイクともお別れ。

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今まで、公演やリハーサルのたびに会っていたメンバーと、

突如として会わなくなるなるのも、フリーランスの宿命。

そして、仕事がない時期を過ごすのも、フリーランスの宿命であり、権利である。

先月、3年前に学校を卒業してからはじめて、一ヶ月以上も演劇に関わらない時間を過ごした。

フリーランスとして生きていくということは、ある意味、精神的にも「暇」を上手に過ごせるようになることなのかもしれない。

現代社会は、「待つ」ことを許してくれない。

常に、自分を「動」の状態に保つことで、心が「静」でいられる。

ひとたび「静」の状態に身を置こうものなら、逆に、心が「動」いてしまい、落ち着かない。

バイトや稽古で疲れている時はすぐに眠れるのに、時間を持て余してしまうとどうもいろいろ考えてしまって眠れない。

一見、活発に見える「動」の状態は、ある意味「思考停止状態」とも言える。

目の前にやるべきことがあって、

考えなくていい時の方が、生きやすい。

 

フランスの場合、失業保険制度に登録できている一定数の俳優は、

仕事がない期間も、一定額の給料が支給されるので、

「アウトプット」は少しお休みして、「インプット」に従事すればいいのが、そこもうまく割り切れない。

フランスの失業保険制度の場合、仕事がない時も、「自分の専門分野で仕事を探している最中」という程になっているので、簡単に飲食店などでアルバイトをすることはできない。

よって、肉体的にも、精神的にも、ほどよく疲れている、

いい感じの「思考停止状態」をつくることができない。

 

そんな時に出会った鷲田清一さんの言葉が、

「イニシアティブの放棄」である。

自分が何か仕掛けるのではなく、向こうが勝手に成熟するのを待つ。

鷲田さんいわく、「待つ」ということの核心には、この「イニシアティブの放棄」があるらしい。

「イニシアティブの放棄」とは、イニシアティブを相手方に委ねるということである。

(中略)

近代人は、「自由」ということを、何でも自分の意のままになること、つまりは自分が自分の主人であること、自己決定の主体であることに求める傾向がある。けれどもこれは近代人の思い上がりで、わたしたちには自分の存在すら自分の自由にはならない。ひとは、互いに支えあうことなしには生きていけない弱い存在だからだ。ということは、自分が何をなすべきかを考える時に、ひとは自分がしたいことだけでなく、ひとが自分に期待していることにどう応えるかという視点からも考えなければならないということである。

(鷲田清一『わかりやすいはわかりにくい?臨床哲学講座』ちくま新書, 2010年, p.89)

 

フリーランスが、仕事のない時期を過ごすということは、

仕事で人と会うことが減る、つまり、社会とのつながりを感じにくくなる、

と言い換えることもできる。

社会に対して、「前のめり」になろうとすればするほど、

社会が遠のいていくように感じる。

 

社会は、自然科学によって発展できるが、

その社会の中心にいる人間(の心)は、自然科学では発展できない。

社会の発展のために、科学にどんどんお金をつぎ込む分だけ、

そんな社会で暮らしている人間に、「思考」のケアをしないとどうにもやっていけない。

仕事がない時、「思考停止状態」から本当の意味で外れている時、

かなり緊急性を感じる。

 

演劇をやっているのに、

社会の効率性に、自ら抑圧されにいって、苦しみがちな私に、

友人からドキュメンタリー動画が送られてきた。

哲学界の「ロックスター」と、全世界が注目するマルクス・ガブリエル氏の日本滞在記。

彼の言葉で、最も印象的だったのが、

 

考えることこそが、最も普遍的だということ。

 

日本に張り巡らされた網の目は窮屈かもしれない。

だが、そこにある見えない壁(ファイアウォール)を乗り越えないといけない。

それを毎日アップデートすることが大切。

日々、家族でも友人でも、冷笑的で反民主的な態度に出会ったら、

ノーと言おう。みんなと違っても言おう。

「自由」に考えることに、最大の価値を置くべきです。

マルクス・ガブリエル

 

自然科学の発展で、便利な世の中になって、

人間は、テクノロジーを駆使して、

一寸の無駄のない、秩序の整った社会についていくことはできるけど、

人間の心は、そもそも効率性が悪い。

でも、「考えること」に効率の悪さを感じてしまったら、

人間はどうなってしまうんだろう。

 

他者とは異なる「自分」というものを社会に提供し続けることってそんなに大事?

まずは、「生産性のない時間」を誰かに肯定してほしい。

私の場合は、それが哲学者だったりする。

「生産性のない時間」を過ごしてもいいんだよ、って言われたところで、

「イニシアティブの放棄」をし、

そこで、ようやく趣味のごとく、「自由」に考えることができるのかも。

 

 

 

 

 

 

舞台本番中の俳優の「エゴ」と「メンテナンス」について

創作過程(稽古)における俳優のプロフェッショナリズムとは、というようなことを、

このブログでも、何回も言及してきたが、

今回は、本番中における俳優のプロフェッショナリズムについて考えてみようと思う。

そもそも、稽古の日程数に対して、本番の日程数が3分の一を超えないうちは、

本番を「特別な日」と捉えて挑む、ということも可能だと思うのだが、

本番日程数が増えれば増えるほど、主な仕事となってくるのが、

「エゴ」への「メンテナンス」である。

フランスの場合、ツアー公演となれば、演出家不在で、アシスタントと俳優のみで行われることも少なくはないので、

この「メンテナンス」を、いかに、自立して行えるかが勝負のように思う。

 

ここで、まず、前提として、確認しておきたいのが、

舞台芸術が、パフォーマーにとって、非常に不確定性の強い芸術だということである。

それは、スター俳優にとっても、アマチュア俳優にとっても、商業でも、アングラでも、関係ない。

昨日の栄光が繰り返されるという、保証はないし、100回目の公演で、予期せぬ事態に襲われることだってある。

そもそも、この不確定性ということを逆手にとり、いかに、関係性(対共演者、対観客)と言葉及び身体を譜面化していけるかということが、創作における作業だとしたら、

本番は、その譜面化された作品をいかに高いクオリティーを保って演奏するかということが求められる。

本番、つまり、「観客」という存在が作品の中に新たに組み込まれることにより、創作過程には存在しなかった新たな要素が現れる。

それが、「エゴ」である。

共演者に対して、いきなり自分が劣っているように感じたり、

前日に比べて、エネルギーの放出ができていないように感じたり、

観客から、自分だけ気に入られていないように感じたり。

この「エゴ」のなにが厄介かというと、

これらの自己批判が起こることによって、長い時間をかけてチーム(共演者・演出家・技術スタッフ)で創作してきた「譜面」が、冷静に読めなくなることである。

そして、引き起こされるのが『Too Much現象』である。

公演を繰り返すことによって、

セリフを大事にしすぎてしまったり、

感情を吐露しすぎてしまったり、

演技があざとくなってしまったり。

俳優には、だれでも経験したことのあることだと思うが、

なかなか自分自身では気づけないことから、厄介である。

そもそも、「本番」という機会を、自身の「達成感」の道具に使っている可能性はないか。

もちろん、公演終了後のなんとも言えない解放感はあると思うのだが、それが、「達成感」になってしまうと、連日「本番」を続けていくのはなかなか難しい。

しかし、この「エゴ」がなくなってしまっては、俳優としても面白くなくなってしまう。

さあ、どうやって「エゴ」と付き合うか。

私が、ここ数年心がけているのは、「メンテナンス」という名の「エゴの飼いならし」である。

自分の中にあるものを「飼う」ことは、他者を「飼う」ことより、100倍難しい。

ただ、毎日「与え」「養い」「育て」ていると、

対象の「傾向」というものが見えてくる。

私の「エゴ」は、どういう状態で、出現し、膨れ上がり、暴れるのかということ。

「傾向」が見えれば、「対策」も取りやすい。

 

ツアーなどの長期本番に、最優先に求められるのは、

同じことの繰り返しと侮ることなく、いかに正確に作り上げた譜面をもとに演奏できるかということ。

また、チームでの、ディテール(細部)へのこだわりも、非常に重要である。

どんな仕事でも同じだが、

その分野におけるプロ(職人)がディテールにこだわれなくなったら、それは、死んだも同然である。

再現性の高い仕事にこそ、すべては「ディテール」の中にあると言っても過言ではない、と改めて実感する日々である。

 

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