舞台本番中の俳優の「エゴ」と「メンテナンス」について

創作過程(稽古)における俳優のプロフェッショナリズムとは、というようなことを、

このブログでも、何回も言及してきたが、

今回は、本番中における俳優のプロフェッショナリズムについて考えてみようと思う。

そもそも、稽古の日程数に対して、本番の日程数が3分の一を超えないうちは、

本番を「特別な日」と捉えて挑む、ということも可能だと思うのだが、

本番日程数が増えれば増えるほど、主な仕事となってくるのが、

「エゴ」への「メンテナンス」である。

フランスの場合、ツアー公演となれば、演出家不在で、アシスタントと俳優のみで行われることも少なくはないので、

この「メンテナンス」を、いかに、自立して行えるかが勝負のように思う。

 

ここで、まず、前提として、確認しておきたいのが、

舞台芸術が、パフォーマーにとって、非常に不確定性の強い芸術だということである。

それは、スター俳優にとっても、アマチュア俳優にとっても、商業でも、アングラでも、関係ない。

昨日の栄光が繰り返されるという、保証はないし、100回目の公演で、予期せぬ事態に襲われることだってある。

そもそも、この不確定性ということを逆手にとり、いかに、関係性(対共演者、対観客)と言葉及び身体を譜面化していけるかということが、創作における作業だとしたら、

本番は、その譜面化された作品をいかに高いクオリティーを保って演奏するかということが求められる。

本番、つまり、「観客」という存在が作品の中に新たに組み込まれることにより、創作過程には存在しなかった新たな要素が現れる。

それが、「エゴ」である。

共演者に対して、いきなり自分が劣っているように感じたり、

前日に比べて、エネルギーの放出ができていないように感じたり、

観客から、自分だけ気に入られていないように感じたり。

この「エゴ」のなにが厄介かというと、

これらの自己批判が起こることによって、長い時間をかけてチーム(共演者・演出家・技術スタッフ)で創作してきた「譜面」が、冷静に読めなくなることである。

そして、引き起こされるのが『Too Much現象』である。

公演を繰り返すことによって、

セリフを大事にしすぎてしまったり、

感情を吐露しすぎてしまったり、

演技があざとくなってしまったり。

俳優には、だれでも経験したことのあることだと思うが、

なかなか自分自身では気づけないことから、厄介である。

そもそも、「本番」という機会を、自身の「達成感」の道具に使っている可能性はないか。

もちろん、公演終了後のなんとも言えない解放感はあると思うのだが、それが、「達成感」になってしまうと、連日「本番」を続けていくのはなかなか難しい。

しかし、この「エゴ」がなくなってしまっては、俳優としても面白くなくなってしまう。

さあ、どうやって「エゴ」と付き合うか。

私が、ここ数年心がけているのは、「メンテナンス」という名の「エゴの飼いならし」である。

自分の中にあるものを「飼う」ことは、他者を「飼う」ことより、100倍難しい。

ただ、毎日「与え」「養い」「育て」ていると、

対象の「傾向」というものが見えてくる。

私の「エゴ」は、どういう状態で、出現し、膨れ上がり、暴れるのかということ。

「傾向」が見えれば、「対策」も取りやすい。

 

ツアーなどの長期本番に、最優先に求められるのは、

同じことの繰り返しと侮ることなく、いかに正確に作り上げた譜面をもとに演奏できるかということ。

また、チームでの、ディテール(細部)へのこだわりも、非常に重要である。

どんな仕事でも同じだが、

その分野におけるプロ(職人)がディテールにこだわれなくなったら、それは、死んだも同然である。

再現性の高い仕事にこそ、すべては「ディテール」の中にあると言っても過言ではない、と改めて実感する日々である。

 

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俳優の条件2019:精神的にも肉体的にも暇

日本で年越しをして、

あいかわらず、落ち着かない雰囲気のパリに、

公演のため帰ってきました。

正月気分が抜けないまま、帰国翌日から稽古開始。

 

昨年11月から続く『黄色いベスト』運動が、毎週勃発する土曜日、

昨日は、パリ9区のパン屋さんで爆発。

共演者が、3軒となりに住んでいたそうで、騒然。

最近、フランスで何か、事件が起こると、すぐに、テロか?デモか?と反射的に想像してしまうが、今回は、ガス漏れが原因だそう。

 

心がざわざわしている状況での稽古ほど、効率の悪いものはない。

俳優は特に、「周囲の空気を聞く」ということも、仕事の一部だから、

演劇の現場での、空気感染は非常に早い。

現場に、健康上の心配を抱えている人がいたり、精神的に弱っている人がいたり、

そういう空気のグループへの感染力は凄まじいものがある。

もちろん、逆も言える。

チームの中で、プラスエネルギーが循環するする環境では、

一人の力は、簡単に2倍にも3倍にもなる。

 

そもそも、スマートフォンひとつで、世界中どことでも繋がれるこの時代に、

強く、「いま」「ここ」につながる集中力を維持するのは、

実際、簡単なことではない。

いかに、精神的にも、肉体的にも『disponible』な状態に身を置けるかが肝。

フランス語のdisponibleとは、英語のavailableに相当する単語で、

人に対して使う場合は、「時間がある」

本来の意味としては、「利用可能」

要は、「使い物になるかどうか」!

 

例えば、名詞形のアベイラビリティー【availability】は、

IT用語では、以下のような説明がされている。

コンピューターやネットワークシステムの壊れにくさのこと。システムの障害・停止・破損が発生しにくく、それらの不具合が生じた際にも速やかに復旧できる場合、「アベイラビリティーが高い」という。可用性。稼働性。

 

この「アベイラビリティーの高さ」の定義を、

俳優に当てはめると、

かなり、私の理想に近い「可動性の高い」俳優像と重なる。

「システムの障害・停止・破損が発生しにくく、それらの不具合が生じた際にも速やかに復旧できる。」

演劇的に翻訳すると、

「本番及びリハーサルにおいて、ミス、停滞、健康上の不調が起こりにくく、それらの不具合が生じた際にも、すみやかに復活できる。」

 

つまり、クリエーションの現場において、

いかに、自分自身を、

「精神的にも肉体的にも暇」な状態におけるか。

 

さまざまなことがらを、同時進行に進めていくことが、

可能かつ効率よく見える世の中ではあるが、

演劇の現場では、必ずしもそうではない。

目まぐるしく動く現代社会だからこそ、

不効率な「暇」という状態が、効率をあげる場合もある。

 

 

そんな「暇」な心と体を探しながら、

本日、最終リハーサル。

明日から、昨年アビニョン演劇祭公式プログラムで発表された、

『Certaines n’avaient jamais vu la mer (邦題:屋根裏の仏さま)』のパリ(郊外)ツアーです。

http://www.theatre-quartiers-ivry.com/fr/la-saison/spectacles/certaines_n_avaient_jamais_vu_la_mer?fbclid=IwAR1NO1zqwwKR3Rgr4xMd6fmIHF45gqpMT2_aad6IwQCdUHOT5Dk_dQiLQg4

 

 

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© Christophe Raynaud de Lage

 

「インストゥルメンタル」俳優の憂鬱、「コンサマトリー」俳優の爽快。

市原佐都子、作・演出、竹中香子一人芝居『妖精の問題』、

3回目の再演、KYOTO EXPERIMENT 2018公演、

無事、終了しました。

この作品は、2017年の9月に東京のアゴラ劇場で、初演された作品なのですが、

今、思い出すと、当時は、俳優の私は、作品の「父親」的存在であったと思う。

作家の市原さんが、作品を「母親」として、自分のお腹で温めたものを、まさに、この世に産み出し、近しい距離感で育て始めたことに対して、

私は、急に生まれてしまったこの「赤ん坊」との距離感に、呆然としてしまい、

どのように子育てに参加していいのか全くわからない気持ちだった。

「赤ん坊」の息の根を絶やさないように、ただただ、タスクをこなしていたような気がする。

 

時が過ぎ、『妖精の問題』も1歳を迎えた。

私の「父親」としての、育児参加も慣れてきたもので、

最近は、「母親」の外出中も、しっかりと子守りをし、

このかわいい「赤ん坊」とのふたりきりの時間の過ごし方もだいぶわかってきた。

 

ここに至るまでの経緯を分析すると、

大きなポイントがふたつ。

一つ目は、「際限なく『努力できる』環境を用意すること」

『努力できる』かどうかということに、

精神論的原因が関与されてる場合は、極めて少ない。

際限なく『努力できる』という能力は、恵まれた環境の産物であることが多い。

横浜での、2度目の再演の時に発見した、

「稽古」と「練習」の二本柱計画(過去の記事を参照:「効率の良さ」への楽しい抗い方)に必要なのが、「際限なく『努力できる』恵まれた環境」である。

ここ1年くらいは、クリエーションをする時に、まず、この「際限なく『努力できる』恵まれた環境」にいかに身をおけるかということを第一に考えてきた。

私の場合の、「際限なく『努力できる』恵まれた環境」とは、きちんと睡眠がとれているなかで、クリエーション以外に考えることがない状態。

人によっては、同時進行で、他のプロジェクトにも関わっている方が気が紛れていい場合もあるし、「際限なく『努力できる』恵まれた環境」は人それぞれ。

要は、言い訳できない環境ということ。

 

そして、二つ目は、「インストゥルメンタル」俳優から、「コンサマトリー」俳優への移行」

「コンサマトリー」とは、最近の流行りの言葉で、アメリカの社会学者、タルコット・パーソンズが提案した考え方である。

日本語では、【自己目的、自己完結】などと、訳される。

つまり、「それ自体を目的とし、それ自体を楽しむ」こと。

その対義語の「インストゥルメンタル」は、逆に、何らかの目的を目指す状態を指す。

例えば、マラソンで長距離を走っていて、1位でゴールするという目的で走るのが、「インストゥルメンタル」で、走ること自体を楽しむのが、「コンサマトリー」である。

昔の日本社会では、

「今がどんなに苦しくても、明るい未来のために頑張る」という思想が主流であった。

しかし、最近は、「今」つまり、結果よりも「プロセス」を大事にする「コンサマトリー」な考え方がどんどん多様化している。

そもそも、作品を産み出すうえで、苦しまない創作なんていうものは、存在しないのだけれども、「コンサマトリー」な考え方を持つことで、

その「産みの苦しみ」が多様化することを期待している。

今を犠牲になんてしなくても、明るい未来は待っているかもしれない。

これらの考え方を俳優に当てはめて考えて見ると、

本番で快楽を得ることに焦点を合わせる俳優が、「インストゥルメンタル」俳優だとしたら、

稽古自体で、快楽を得ている俳優は、「コンサマトリー」俳優と言える。

私は、初演の時、完全なる前者であった。「今は地獄のように苦しくても…本番はきっと…」という、スポ根漫画のように、歯を食いしばって毎日を送っていた。

しかし、残念ながら、自分の目的意識にあった結果はついてこなかった。

今回は、完全に「コンサマトリー」俳優として過ごした稽古期間があり、

もちろん、再演ということはあるが、本当に、稽古自体が楽しくて仕方がなかった。

実際、演出家とのコミュニケーション(雑談含む)が、「楽しい」と感じられる大きな要因ではあったが。

 

そんなことを考えながら、実に爽快な気持ちで、東京に帰還しました。

この機会を与えてくださった、すべての方に、感謝の気持ちを伝えたいと思います。

 

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演出が「タスク」である限り、俳優は死ぬまで緊張する。

レイモンド・カーヴァー脚色作品『LOVE ME TENDER』、

3週間半に及ぶブッフ・デュ・ノール劇場初演、

無事、終了しました。

http://www.bouffesdunord.com/fr/la-saison/love-me-tender

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ブッフ・デュ・ノール劇場は、ピーター・ブルックが観客と舞台の間の「第四の壁」を取り除くことを試み、改築設計にかかわったことでも知られている劇場である。

むき出しの劇場の壁の存在感が圧倒的。

この劇場で、フランスにおけるピーター・ブルックの演劇氏が刻まれたと言っても過言ではないので、フランス人にとっても特別な空間のようだ。

レイモンド・カーヴァーは、日本では村上春樹氏が翻訳を手掛けたことでも知られているアメリカ人作家で、彼の6つの短編を扱った脚色作品である。

演出は、今回2回目の仕事となるGuillaume Vincent。

毎回、新作のクリエーションに1年以上の時間を費やす彼が、

ブッフ・デュ・ノール劇場からの委託で、なんと稽古期間3週間での創作に挑んだ。

私にとっても、演劇学校を卒業してから、すでに5作目の作品。

台詞のアクセントはまだまだ残るものの、

創作に関する言葉のストレスは、ほぼゼロに等しい環境で、

「前のめり」で、クリエーションに参加することができるようになってきた。

なにしろ、フランスでは、しゃべらない従順な俳優は、やる気がないと思われるのだから大変。

 

今回の短い創作期間の中で、考え続けてきたことが、

演出が俳優にとっての「タスク」である限り、

俳優は「緊張する」という状態から決して抜け出せないということである。

そもそも、俳優が「緊張」を語ることは、タブーに近いものがあるのではないだろうか。

「緊張」は、「生」で何かを行うときには、当たり前につきまとうものなのかもしれない。

しかし、アドレナリンを放出するような「いい緊張」に対して、

失敗だけはしないようにと俳優に安全牌を取らせるような「ダメな緊張」は排除したいものである。

特に、公演期間が1年近くに及ぶようなツアーを伴う作品では、

「緊張」とうまく付き合っていかない限り、俳優の生きる道はない。

なんでも「経験」という言葉で解決するのも違う気がする。

なにしろ、「緊張」なくして、いい舞台はありえないだろうし、

「緊張」の正体を突き止めないことには、解決策はない。

未知は、恐怖だが、

すこしの既知は、すこしの希望である。

 

ということで、私は、俳優の「緊張」の根源を、

「タスク」のままの演出と仮定したい。

演出家から出る言葉は、

出た瞬間は、俳優にとって「タスク」でしかない。

「タスク」である限り、それを何度も繰り返す過程で、ミスが生じる可能性は否めない。

そこで、俳優は、稽古期間にこの「タスク」を「ロジック」に変換していく作業をする。

ここでいう「ロジック」とは、「思考の道筋、論理」のことである。

例えば、「そこで振り向く」という「タスクでしかない演出」が、

「ロジック」に変換されることで、

「だれに」「どうしたい」というような、

「関係性」と「意図」を持つ。

一度、「タスク」が「ロジック」に変換されると、

「演出」は、俳優にとって「血」に近いものに進化をとげ、

本番前の緊張によって、身体中を駆け巡り、俳優の味方になってくれる。

 

俳優の仕事を尊重している演出家こそ、

俳優の内面には口出ししてこないし、究極、興味がない。

外にみえるものをデザインするのが演出家の仕事なら、

内のみえない場所で起こっていることをデザインしていくのが俳優の仕事であり、

この二方向からの働きかけによって、再現可能な舞台芸術が生まれる。

 

今回の作品で、

どんなに小さな演出も、「タスク」から「ロジック」に変えていくことを心がけた。

一人での作業もあれば、共演者との作業もある。

「緊張」は我慢せずに露呈させていくことが大事。

「ロジック」への変換作業が不十分な場所が確認出来る。

 

私は、あまりにもできの悪い俳優のため、

俳優の「言ってはいけない」をあえて言葉にしようという試みを続けている。

 

 

 

「俳優の交換可能による憂鬱」撃退法

一ヶ月以上ぶりの更新になってしまいました。

今年は移動が非常に多く、先日2ヶ月ぶりに自宅に戻って、2日後にはまた地方です。

6月の後半は、パリからTGVで45分のランスという街で、

2週間のレジデンス。

なんとこのリハーサル、1年半近く先のクリエーション『千夜一夜物語』のためのもの。

今年の2月から月に3日くらいの頻度でリハーサルが行われ、

少しづつキャスティングが固まりながら、

第一回目の2週間の集中リハーサル。

初演は、なんと2019年秋。

劇場に付随するアトリエを貸し切っての2週間。

主役は、まさに俳優。

まだ、台本も完成していない状態なので、

朝から晩まで、俳優が主体となって、

テーマに沿った作品を創りまくる。

振付家、ミュージシャン、サウンドアーティストが、私たちと一緒に滞在しており、

なんでも協力してくれる。

例えば、歌を歌うシーンを入れたいと思ったら、

前日に、ミュージシャンの人にyoutubeの動画を送っておくと、

翌日、ピアノもしくは、こちらが指定する楽器で演奏してくれる。

まさに、パラダイスな2週間。

 

『千夜一夜物語』を軸に、俳優各々が、

自分の興味に沿って、原文と格闘しながら、

「自分」と「作品」を結びつけていく。

 

私は、大好きなラップと、地元の「浦和おどり」とを、イスラム圏文化と結びつけて、

自分的には大作を創った。

講演会というかたちをとって、「イスラム圏と女性」というテーマで、2時間にわたる壮大なレクチャーを繰り広げた俳優もいた。

レバノン出身の歌手の半生を、歌と一人語りで作品にしたり、

ヨーロッパにおける移民問題をテーマにインプロビゼーションで作品を作ったり、

あとは、「語り」の筋トレということで、物語をシンプルに語る練習もした。

まさに、毎日がスペクタクル。

 

2週間の間、演出家ともう20年以上も一緒に仕事をしている、

ドラマトゥルクの人も、リハーサルに参加しているのだが、

演出家が、半分冗談のように、でも、繰り返し言っていたことが、

「俳優全員がドラマトゥルクになったら、かなり心強い!」

とのこと。

 

以前、このブログでも、フランスの演劇教育において、

「俳優ひとりひとりが、自らの『演出家』となることを求められている」

ということを書いたのだが、

今回は、その一歩先の感覚。

「俳優ひとりひとりが、作品の『ドラマトゥルク』となることを求められている」

そもそも、ドラマトゥルクとは何か?

ドラマトゥルクを知るための、一番オススメの本は、もちろんこちら。

平田栄一朗先生の『ドラマトゥルク―舞台芸術を進化/深化させる者』

この本の発売当時、まだ、日本ではほとんど聞きなれない仕事であった、ドラマトゥルクの役割。

本の中では、このように紹介されている。

「ドラマトゥルクは、演目や企画をプラニングしたり、舞台制作の条件と環境を整え、新作の制作プロセスにおける一つ一つの結果を判断し、他のスタッフに引き渡していく。また制作の芸術的(さらには社会政治的な)意図を観客や社会に橋渡しする。」(14p)

今回のレジデンスで、私たち俳優に求められたのは、後半の部分。

「また制作の芸術的(さらには社会政治的な)意図を観客や社会に橋渡しする。」

ある芸術的素材(今回の場合は、『千夜一夜物語』)を享受する側になったとき、

個人的に、強く「響く」場所における、「芸術的(さらには社会政治的な)意図」を掘り起こし、他者と共有していくこと。

 

このような創作環境においては、

俳優は、「作品」および「自分」という素材を深く観察することが求められる。

「この役、私じゃなくてもできるんじゃないか」

これは、俳優なら、だれしも、一度は感じたことがある感覚だと思う。

これを私は、「俳優の交換可能による憂鬱」と呼んでいるのだが、

先ほどの「『作品」』および『自分』という素材を観察する」という作業には、

「俳優の交換不可能による優越」を生み出す可能性を孕んでいるのではないだろうか。

 

「俳優の交換不可能による優越」を手に入れた俳優は、正直、無敵である。

しかし、俳優が、プチ・ドラマトゥルクになるために、

絶対必要条件は、創作期間のゆとりである。

本番、一ヶ月前に、ドラマトゥルクになれと言われても、無論無理である。

おそらく、結果を求めない本稽古前の「プレ」稽古は、

俳優に「俳優の交換不可能による優越」を提供する可能性に満ち満ちている。

 

そんなこんなで、抱えきれないほどのプレゼントをもらったこの2週間で、

私の演劇熱は、さらにヒートアップしている。

 

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