「インストゥルメンタル」俳優の憂鬱、「コンサマトリー」俳優の爽快。

市原佐都子、作・演出、竹中香子一人芝居『妖精の問題』、

3回目の再演、KYOTO EXPERIMENT 2018公演、

無事、終了しました。

この作品は、2017年の9月に東京のアゴラ劇場で、初演された作品なのですが、

今、思い出すと、当時は、俳優の私は、作品の「父親」的存在であったと思う。

作家の市原さんが、作品を「母親」として、自分のお腹で温めたものを、まさに、この世に産み出し、近しい距離感で育て始めたことに対して、

私は、急に生まれてしまったこの「赤ん坊」との距離感に、呆然としてしまい、

どのように子育てに参加していいのか全くわからない気持ちだった。

「赤ん坊」の息の根を絶やさないように、ただただ、タスクをこなしていたような気がする。

 

時が過ぎ、『妖精の問題』も1歳を迎えた。

私の「父親」としての、育児参加も慣れてきたもので、

最近は、「母親」の外出中も、しっかりと子守りをし、

このかわいい「赤ん坊」とのふたりきりの時間の過ごし方もだいぶわかってきた。

 

ここに至るまでの経緯を分析すると、

大きなポイントがふたつ。

一つ目は、「際限なく『努力できる』環境を用意すること」

『努力できる』かどうかということに、

精神論的原因が関与されてる場合は、極めて少ない。

際限なく『努力できる』という能力は、恵まれた環境の産物であることが多い。

横浜での、2度目の再演の時に発見した、

「稽古」と「練習」の二本柱計画(過去の記事を参照:「効率の良さ」への楽しい抗い方)に必要なのが、「際限なく『努力できる』恵まれた環境」である。

ここ1年くらいは、クリエーションをする時に、まず、この「際限なく『努力できる』恵まれた環境」にいかに身をおけるかということを第一に考えてきた。

私の場合の、「際限なく『努力できる』恵まれた環境」とは、きちんと睡眠がとれているなかで、クリエーション以外に考えることがない状態。

人によっては、同時進行で、他のプロジェクトにも関わっている方が気が紛れていい場合もあるし、「際限なく『努力できる』恵まれた環境」は人それぞれ。

要は、言い訳できない環境ということ。

 

そして、二つ目は、「インストゥルメンタル」俳優から、「コンサマトリー」俳優への移行」

「コンサマトリー」とは、最近の流行りの言葉で、アメリカの社会学者、タルコット・パーソンズが提案した考え方である。

日本語では、【自己目的、自己完結】などと、訳される。

つまり、「それ自体を目的とし、それ自体を楽しむ」こと。

その対義語の「インストゥルメンタル」は、逆に、何らかの目的を目指す状態を指す。

例えば、マラソンで長距離を走っていて、1位でゴールするという目的で走るのが、「インストゥルメンタル」で、走ること自体を楽しむのが、「コンサマトリー」である。

昔の日本社会では、

「今がどんなに苦しくても、明るい未来のために頑張る」という思想が主流であった。

しかし、最近は、「今」つまり、結果よりも「プロセス」を大事にする「コンサマトリー」な考え方がどんどん多様化している。

そもそも、作品を産み出すうえで、苦しまない創作なんていうものは、存在しないのだけれども、「コンサマトリー」な考え方を持つことで、

その「産みの苦しみ」が多様化することを期待している。

今を犠牲になんてしなくても、明るい未来は待っているかもしれない。

これらの考え方を俳優に当てはめて考えて見ると、

本番で快楽を得ることに焦点を合わせる俳優が、「インストゥルメンタル」俳優だとしたら、

稽古自体で、快楽を得ている俳優は、「コンサマトリー」俳優と言える。

私は、初演の時、完全なる前者であった。「今は地獄のように苦しくても…本番はきっと…」という、スポ根漫画のように、歯を食いしばって毎日を送っていた。

しかし、残念ながら、自分の目的意識にあった結果はついてこなかった。

今回は、完全に「コンサマトリー」俳優として過ごした稽古期間があり、

もちろん、再演ということはあるが、本当に、稽古自体が楽しくて仕方がなかった。

実際、演出家とのコミュニケーション(雑談含む)が、「楽しい」と感じられる大きな要因ではあったが。

 

そんなことを考えながら、実に爽快な気持ちで、東京に帰還しました。

この機会を与えてくださった、すべての方に、感謝の気持ちを伝えたいと思います。

 

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演出が「タスク」である限り、俳優は死ぬまで緊張する。

レイモンド・カーヴァー脚色作品『LOVE ME TENDER』、

3週間半に及ぶブッフ・デュ・ノール劇場初演、

無事、終了しました。

http://www.bouffesdunord.com/fr/la-saison/love-me-tender

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ブッフ・デュ・ノール劇場は、ピーター・ブルックが観客と舞台の間の「第四の壁」を取り除くことを試み、改築設計にかかわったことでも知られている劇場である。

むき出しの劇場の壁の存在感が圧倒的。

この劇場で、フランスにおけるピーター・ブルックの演劇氏が刻まれたと言っても過言ではないので、フランス人にとっても特別な空間のようだ。

レイモンド・カーヴァーは、日本では村上春樹氏が翻訳を手掛けたことでも知られているアメリカ人作家で、彼の6つの短編を扱った脚色作品である。

演出は、今回2回目の仕事となるGuillaume Vincent。

毎回、新作のクリエーションに1年以上の時間を費やす彼が、

ブッフ・デュ・ノール劇場からの委託で、なんと稽古期間3週間での創作に挑んだ。

私にとっても、演劇学校を卒業してから、すでに5作目の作品。

台詞のアクセントはまだまだ残るものの、

創作に関する言葉のストレスは、ほぼゼロに等しい環境で、

「前のめり」で、クリエーションに参加することができるようになってきた。

なにしろ、フランスでは、しゃべらない従順な俳優は、やる気がないと思われるのだから大変。

 

今回の短い創作期間の中で、考え続けてきたことが、

演出が俳優にとっての「タスク」である限り、

俳優は「緊張する」という状態から決して抜け出せないということである。

そもそも、俳優が「緊張」を語ることは、タブーに近いものがあるのではないだろうか。

「緊張」は、「生」で何かを行うときには、当たり前につきまとうものなのかもしれない。

しかし、アドレナリンを放出するような「いい緊張」に対して、

失敗だけはしないようにと俳優に安全牌を取らせるような「ダメな緊張」は排除したいものである。

特に、公演期間が1年近くに及ぶようなツアーを伴う作品では、

「緊張」とうまく付き合っていかない限り、俳優の生きる道はない。

なんでも「経験」という言葉で解決するのも違う気がする。

なにしろ、「緊張」なくして、いい舞台はありえないだろうし、

「緊張」の正体を突き止めないことには、解決策はない。

未知は、恐怖だが、

すこしの既知は、すこしの希望である。

 

ということで、私は、俳優の「緊張」の根源を、

「タスク」のままの演出と仮定したい。

演出家から出る言葉は、

出た瞬間は、俳優にとって「タスク」でしかない。

「タスク」である限り、それを何度も繰り返す過程で、ミスが生じる可能性は否めない。

そこで、俳優は、稽古期間にこの「タスク」を「ロジック」に変換していく作業をする。

ここでいう「ロジック」とは、「思考の道筋、論理」のことである。

例えば、「そこで振り向く」という「タスクでしかない演出」が、

「ロジック」に変換されることで、

「だれに」「どうしたい」というような、

「関係性」と「意図」を持つ。

一度、「タスク」が「ロジック」に変換されると、

「演出」は、俳優にとって「血」に近いものに進化をとげ、

本番前の緊張によって、身体中を駆け巡り、俳優の味方になってくれる。

 

俳優の仕事を尊重している演出家こそ、

俳優の内面には口出ししてこないし、究極、興味がない。

外にみえるものをデザインするのが演出家の仕事なら、

内のみえない場所で起こっていることをデザインしていくのが俳優の仕事であり、

この二方向からの働きかけによって、再現可能な舞台芸術が生まれる。

 

今回の作品で、

どんなに小さな演出も、「タスク」から「ロジック」に変えていくことを心がけた。

一人での作業もあれば、共演者との作業もある。

「緊張」は我慢せずに露呈させていくことが大事。

「ロジック」への変換作業が不十分な場所が確認出来る。

 

私は、あまりにもできの悪い俳優のため、

俳優の「言ってはいけない」をあえて言葉にしようという試みを続けている。

 

 

 

「俳優の交換可能による憂鬱」撃退法

一ヶ月以上ぶりの更新になってしまいました。

今年は移動が非常に多く、先日2ヶ月ぶりに自宅に戻って、2日後にはまた地方です。

6月の後半は、パリからTGVで45分のランスという街で、

2週間のレジデンス。

なんとこのリハーサル、1年半近く先のクリエーション『千夜一夜物語』のためのもの。

今年の2月から月に3日くらいの頻度でリハーサルが行われ、

少しづつキャスティングが固まりながら、

第一回目の2週間の集中リハーサル。

初演は、なんと2019年秋。

劇場に付随するアトリエを貸し切っての2週間。

主役は、まさに俳優。

まだ、台本も完成していない状態なので、

朝から晩まで、俳優が主体となって、

テーマに沿った作品を創りまくる。

振付家、ミュージシャン、サウンドアーティストが、私たちと一緒に滞在しており、

なんでも協力してくれる。

例えば、歌を歌うシーンを入れたいと思ったら、

前日に、ミュージシャンの人にyoutubeの動画を送っておくと、

翌日、ピアノもしくは、こちらが指定する楽器で演奏してくれる。

まさに、パラダイスな2週間。

 

『千夜一夜物語』を軸に、俳優各々が、

自分の興味に沿って、原文と格闘しながら、

「自分」と「作品」を結びつけていく。

 

私は、大好きなラップと、地元の「浦和おどり」とを、イスラム圏文化と結びつけて、

自分的には大作を創った。

講演会というかたちをとって、「イスラム圏と女性」というテーマで、2時間にわたる壮大なレクチャーを繰り広げた俳優もいた。

レバノン出身の歌手の半生を、歌と一人語りで作品にしたり、

ヨーロッパにおける移民問題をテーマにインプロビゼーションで作品を作ったり、

あとは、「語り」の筋トレということで、物語をシンプルに語る練習もした。

まさに、毎日がスペクタクル。

 

2週間の間、演出家ともう20年以上も一緒に仕事をしている、

ドラマトゥルクの人も、リハーサルに参加しているのだが、

演出家が、半分冗談のように、でも、繰り返し言っていたことが、

「俳優全員がドラマトゥルクになったら、かなり心強い!」

とのこと。

 

以前、このブログでも、フランスの演劇教育において、

「俳優ひとりひとりが、自らの『演出家』となることを求められている」

ということを書いたのだが、

今回は、その一歩先の感覚。

「俳優ひとりひとりが、作品の『ドラマトゥルク』となることを求められている」

そもそも、ドラマトゥルクとは何か?

ドラマトゥルクを知るための、一番オススメの本は、もちろんこちら。

平田栄一朗先生の『ドラマトゥルク―舞台芸術を進化/深化させる者』

この本の発売当時、まだ、日本ではほとんど聞きなれない仕事であった、ドラマトゥルクの役割。

本の中では、このように紹介されている。

「ドラマトゥルクは、演目や企画をプラニングしたり、舞台制作の条件と環境を整え、新作の制作プロセスにおける一つ一つの結果を判断し、他のスタッフに引き渡していく。また制作の芸術的(さらには社会政治的な)意図を観客や社会に橋渡しする。」(14p)

今回のレジデンスで、私たち俳優に求められたのは、後半の部分。

「また制作の芸術的(さらには社会政治的な)意図を観客や社会に橋渡しする。」

ある芸術的素材(今回の場合は、『千夜一夜物語』)を享受する側になったとき、

個人的に、強く「響く」場所における、「芸術的(さらには社会政治的な)意図」を掘り起こし、他者と共有していくこと。

 

このような創作環境においては、

俳優は、「作品」および「自分」という素材を深く観察することが求められる。

「この役、私じゃなくてもできるんじゃないか」

これは、俳優なら、だれしも、一度は感じたことがある感覚だと思う。

これを私は、「俳優の交換可能による憂鬱」と呼んでいるのだが、

先ほどの「『作品」』および『自分』という素材を観察する」という作業には、

「俳優の交換不可能による優越」を生み出す可能性を孕んでいるのではないだろうか。

 

「俳優の交換不可能による優越」を手に入れた俳優は、正直、無敵である。

しかし、俳優が、プチ・ドラマトゥルクになるために、

絶対必要条件は、創作期間のゆとりである。

本番、一ヶ月前に、ドラマトゥルクになれと言われても、無論無理である。

おそらく、結果を求めない本稽古前の「プレ」稽古は、

俳優に「俳優の交換不可能による優越」を提供する可能性に満ち満ちている。

 

そんなこんなで、抱えきれないほどのプレゼントをもらったこの2週間で、

私の演劇熱は、さらにヒートアップしている。

 

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フリースタイルダンジョンに学ぶフランス語が一気にうまくなる方法

最近、巷で話題の日本語ラップのフリースタイル勝ち抜きバトル番組、

『フリースタイルダンジョン』

私は、高校生の時から、日本語ラップばかり聞いていたので、

日本語ラップというジャンルが、ここまで世間で日の目を浴びる日が来たかと思うと、

かなり感慨深い。

そもそも、日本において、「演劇」という、なかなか社会に浸透しないフィールドで活動しているので、同じように、ジャンル自体がアンダーグラウンドである、日本語ラップとボクシングには、勝手に愛着を抱いていた。

そして、先週、『フリースタイルダンジョン』において、

モンスター5人を勝ち抜いた二人目のチャンピオンが登場する。

高校生ラップ選手権から、

圧倒的なスキルを見せつける、イケメン若手ラッパー、Lick-G。

彼が、最終試合、ラスボス、般若に勝利した時の、

いとうせいこうさんのコメントが以下。

「昔はLick-Gは少し聞き取りにくいところがあったけど、

今回からLick-Gは母音を伸ばしていくことで、

うねりを作って、単調な日本語をラップにしていくことを初めて始めたんじゃないか、この人がっていう。」

 

Lick-Gのフリースタールダンジョン完全制覇とともに、

このいとうせいこうさんのコメントによって、

私が、ここ5年ほど格闘してきた、

「普段は、発音がいいと褒められるのに、

フランス語を舞台でしゃべるとめっちゃ下手」の謎が解けた。

 

そもそも、日本語は、子音の数は21。

対して、母音は、たったの5個。

 

台詞やスピーチなど、

普段より、大きな声で話すことを求められる環境において、

言葉の意味をはっきり伝えるために、

21個も種類のある、子音を立てがち。

 

 

例えば、「街に買い物に出かける」という文を検証してみる。

まずは、文節に区切って、

街に/買い物に/でかける

 

日本語の場合、

[M]achini/[K]aimononi/[D]ekakeru

のように、

文節の頭を軽く強調するのが自然である。

 

フランス語の場合、母音の数は、なんと13個。

(フランス語の母音表:フランス語母音特訓のおかげで、主演映画にダメ出し!!

つまり、言語において、母音が占める割合が、

非常に大きい。

私が、渡仏時からお世話になっている、

フランス語の師匠から、母音について、しつこく言われてきたのだが、いまいち、母音とフランス語のいい発音というのが、結びついていなかった。

 

今回、Lick-Gのラップを聞いていてわかったのは、

韻を踏む、踏まないに関係なく、

言葉を発する時に際立たせる箇所が、全体的に、文節の頭ではなく、文節のお尻にきていたのである。

Lick-Gは、「母音を伸ばして」を、ビートにのせて、日本語でやってのけたわけだけど、

言語自体が音楽的と言われるフランス語では、

ビートがかかっていなくても、この「文節の最後の母音」を「伸ばして」話すことが求められる。

 

あえて、先ほどの例文(街に/買い物に/でかける)を使って、日本語で説明すると、

machin[I]/kaimonon[I]/dekaker[U]

このように、

「文節の最後の母音」を伸ばして喋るのが、

一番フランス人に近い発音と言えるらしい。

 

声楽の分野でも、重要視されるフランス語の母音は、

舞台で喋るフランス語の台詞を響かせるためにも、欠かせない存在なのだ。

 

 

というわけで、

Lick-Gのラップを何度も聞いて、母音の重要性を体に叩き込みながら、

フランス語初級にもどって、台詞とひたすらmâcher[咀嚼]する日々。

 

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Photo by Yurina Niihara

女優は、「中年」役を恐れるべからず。

一気に暖かくなった、パリを離れて、

アビニョン演劇祭に向けた稽古のため、Valenceに滞在しています。

CERTAINES N’AVAIENT JAMAIS VU LA MER

場所は、アビニョン「IN」の会場の中でも、1,2位を争う人気の場所。

CLOÎTRE DES CARMES

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外が暗くならないと、開演できないので、

開演時間は、なんと22時。

野外会場が多い、アビニョンのプログラムの中では、平均的な開演時間である。

 

初めての野外公演ということもあって、

常に、喉と声を心配しながら、リハーサルを行っている。

ここ2年近く、フランスでは、600席以上の規模の会場が多かったので、

だいぶ、発声も鍛えられたと思っていたところに、またまた落とし穴。

 

作品の中の一場面で、初めての母親役。

女優7人がメインの作品なのだが、

そのシーンに関しては、子供役3人と母親役4人でやることになっていて、

まさか、自分が母親役に配役されるとは思わなかった。

 

年齢的には、もう30歳なので、母親役が来てもおかしくない年なのかもしれないが、

ヨーロッパで暮らしていると、アジア人ということもあって、

若く見られて当たり前。

そのことを意識したこともないし、

「実年齢より、若く見られたい」などと意識的に思ったことなどないのだが、

どうやら、声と身体は、無意識に欲していたようだ。

 

まずは、自分は母親役ができるくらいの外見なんだというショック。

演出家には、声に重みがないという指摘。

 

フランス語の解釈の面で、もう困ることもないけれど、

いくら頑張っても消せないのが、アクセント。

このアクセントの方に、いつの間にか、引っ張られ、

声も、アクセントに合わせて、子どもっぽくなってしまっていることに気づく。

 

実際、今までは、役的にも、少女的な役を与えられることが多かったので、

それで通用してきたのだが、今回は、「逃げ道」という名の武器をまんまと封じられてしまった感じ。

 

同時に、自分が「実年齢よりも若い」役を、演じることが多いことに、

無意識に、女性として優越感を感じていたのではないか、と思うとぞっとする。

 

日本のテレビや雑誌で、特集されるような、

実年齢より若く見える、綺麗すぎる「美魔女」たちがもてはやされる世の中に、

いつのまにか洗脳されていたのかも。

メディアの力、恐るべし。

 

個人的には、日本を離れた時点で、

女優という職業上、

逃れられないであろう、「他人と外見を比べる」という呪縛からは、

逃れたと自負していたのだが、

年齢に関しては、人種は関係ない。

 

年とともに、外見も変わっていく。

 

女性のいつまでも若く見られたいという願望は、

女優にとって、実に厄介なものである。

 

外見を武器にしていない女優であっても、

「中年」の役を楽しめない限り、

女優の生き延びる道はないからである。

 

まさに、その転機となるのが、30代前半であると、苦くも、実感する日々である。

20代の役の倍率と、40代の役の倍率、どちらが高いかなど、比べるまでもない。

俳優として生きていくことを目指す、若い才能は、掃いて捨てるほどいるのが現実である。

 

「中年」の役を楽しめるか。

ここ数日ずっと考えていたのだが、

それは、「重力」を楽しめるか、

ということのではないかという気がしてきた。

20代にはない、身体の重み、声の重み、そして、人間の厚み。

これらの「重力」を、少しづつ感じられるようになってきたところで、

ようやく、声のトーンが、子供っぽいアクセントに引っ張られることなく、

緩やかに、緩やかに、下降していく。

 

正直、20代の頃と比べて、

「失った」と感じてしまうことだってある。

変わりなく生活しているようでも、

身体は丸くなるし、

顔にシワもできる。

でも、やっぱり「中年」の役を演じるために必要な、

この「重力」を手に入れたいと思う。

そして、おそらくこの「重力」と同時に期待するのが、

「静のエネルギー」

 

若い頃は、なんでも、元気が一番。

オーディションでも、声が大きくて、明るい子は、

決まって好印象。

 

私が、好きな「中年」の役が演じられる女優たちが持っているのは、

「静のエネルギー」

舞台の上に、ぽーんと「沈黙」を投げ込むことだって厭わない。

空間全体を包み込むようなエネルギーが、

温度となり、地を這り、

観客を、彼らの足先から捕らえていく。

 

俳優の身体は、

商売道具。

そして、なんといっても、可塑性に優れている。

だから、「現在」の自分の身体を、商売道具として使いこなすために、

精神のアップデートを常に求められる。

年をとるだけ、

アップデートした回数も増える。

「失う」ものは何もない。

 

幸せなのは、「中年」を演じることのできる素敵な女優たちに囲まれて仕事をしていること。

だから、私も、早く「中年」を演じられるようになりたいと思える。

つまり、「中年」かっこいい!と、若い世代に思わせるような女優を目指さないと。