竹中香子講演会「フランスで舞台に立つために必要なこと:フランス語、演劇学校、そしてプロフェッショナリズム」

8/28 19:00~ @アンスティチュ・フランセ東京

6年前にフランス語が全く喋れない状態で渡仏してからの、

国立演劇学校受験とか、

演劇教育とか、

去年、俳優として仕事を始めてから知った、

フランスの俳優を取り巻く制度と権利についてなどなど、お話させて頂くことになりました。

会場にお越しくださった皆様と一緒に、「俳優を仕事にするってなんだ?」という根本的なところを考える時間となれば嬉しいです◎

たくさんの方とお会いできることを楽しみにしています。

よろしくお願いいたします。

 

 


竹中香子 講演会
「フランスで舞台に立つために必要なこと:
フランス語、演劇学校、そしてプロフェッショナリズム」

 

日本の大学卒業後フランスに渡り、日本人として初めてフランスの国立高等演劇学校の課程を修了し、昨年からプロの俳優としてパリのオデオン座などの舞台に立つ竹中香子氏の講演会。
フランス語習得に関わるエピソード(渡仏時にはフランス語力はほとんどゼロだった)、フランスの演劇学校のプログラム、そして職業人としての俳優の問題(舞台人の失業保険制度であるアンテルミタン制度についても)などについてお話頂きます。
講演会後、質疑応答の時間を多めに取る予定です。フランスの俳優事情に関心のある方、フランスへの留学を考えておられる方にお薦めいたします。

http://www.institutfrancais.jp/tokyo/events-manager/conference-kyoko-takenaka/

 

日時:8月28日(月)19時〜21時
会場:アンスティチュ・フランセ東京 エスパス・イマージュ
入場無料・予約不要
主催:日仏演劇協会

 

竹中香子
1987年10月8日生。埼玉県さいたま市出身。2011年3月に桜美林大学総合文化学群演劇専修を卒業後、渡仏。同年9月にパリ15区コンセルヴァトワール(芸術専門学校)入学。2012年にはパリ地方コンセルヴァトワールに入学。2013年、日本人として初めてフランスの国立高等演劇学校の俳優セクションに合格。2016年5月末にモンペリエ国立高等演劇学校(École Nationale Supérieure d’Art Dramatique de Montpellier)の全課程を修了。2016年10月から、2017年6月までフランス国立劇場製作ギヨーム・ヴァンサン演出『夢と変身』に出演し、フランス国内16箇所でツアーを行った。これと並行して、自らが脚本を手がけたソロ作品をフランス人の演出家とともに、「俳優と言語」をテーマに長期的にクリエーションを行っている。

 

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落ちても落ち込まないオーディションの受け方

俳優という職業を考えたときに、

常に念頭に置かなくてはいけないことは、

終身雇用、正社員ではないということ。

安定したカンパニーなどに所属しない限り、就活は1回ではなく、半永久となる。

 

そこで、避けては通れないのが「オーディション」という雇用形態。

私は、演劇を本格的にはじめた10年前から、日本でもフランスでも、この「オーディション」というものに、落ちて落ちて落ちまくった。

簡単に言えば、「受け続けていればいつかは受かる」というのは迷信だということを確信できるほどに落ちまくった。

落ちれば落ち込むし、自分には才能がないのだと思って、絶望的な気持ちになる。

幸運にも、立ち直りが異様に早いため、絶望した気持ちをすぐに忘れて、ここまで続けてこれた。

モンペリエの国立演劇学校で過ごした3年間で、パリを拠点に活動する演出家たちとクリエーションを通して知り合うことができたので、卒業後は、オーディションというよりも、人とのつながりで仕事に巡り会う機会があった。

そもそも、オーディション必勝法があるなら、教えて欲しいが、私が、もっと重要だと思うのは、持続性のあるオーディションの受け方。つまりは、落ちても落ち込まないオーディションの受け方なのである。

就活と同じように、オーディションには、決定的なヒエラルキーの構図が存在する。

選ぶ側と選ばれる側。

選ばれる側に残される選択肢は大きく分けてふたつ。

選ぶ側が探しているであろう人材に自分が適していることをアピールするか、

もしくは、自分という人材を的確に見せるか。

前者の場合、権力のヒエラルキーの構図を保った状態で、

自分の俳優としてのテクニックをみせていく必要がある。

大手プロダクションによるオーディションは、たいていこちらの形態がメインとなってくるのだと予想する。

 

私が、注目したいのは、後者の自分という人材を的確に見せたうえで、選ぶ側に彼らの芸術的な面での「コラボレーター」にふさわしいかどうかということを判断させるオーディションである。

30歳を間近にして、一攫千金的なオーディションを受ける気もないし、精神的にも持続可能なオーディションの受け方とは何か。

「コラボレーターに立候補する」、つまり、組織における機能(演出家であるか、俳優であるか)が違うだけで、自立したアーティストであるという認識が必須である。

 

ちなみに、オーディションの内容を見れば、主催側が単に俳優を探しているのか、作品のコラボレーターを探しているのかということは、だいたい見当がつく。

私の場合、そもそも、フランスにいる時点でセリフで勝負できる俳優ではないので、シーンを用意していくようなオーディションにあまり勝算はない。

私が大好きなオーディションは、「作品を用意していく」系である。

あるテーマについての課題が出され、俳優は、そのテーマに沿って自分でリサーチを行い、短い舞台作品を発表する。

選ぶ方としても、どのような経緯でオーディション参加者の作品ができたのかを知りたいため、発表後にかなり親密なダイアローグが生まれる。

 

日本でもよく見かける「ワークショップ形式」も、オーディションが選ぶ選ばれないに関わらず、アーティストにとって、刺激的な場をもたらしてくれるタイプである。

 

そもそも、ここ10年くらいかけて、私が落ちまくりながら発見した、落ち込まない方法とは、まず、前提として、条件に縛られすぎないこと。

与えられた条件を守れば守るほど、

権力によりヒエラルキーを強化することになってしまう。

与えられた課題を発表するときに、少しくらい条件から外れていても、いいものはいい。

自分の世界観を的確なかたちで提供することが先決。

形態にとらわれないことで、不思議と「選ばれている」感が薄れ、「選ばせてやっている」感が芽生えてくるから不思議なものである。

 

もうひとつは、物事を単発で捉えること。

たとえ私が、今までオーディションに落ちまくっていたとしても、それを知っているのは私だけで、履歴書には書かれていない。

そして、ジャッジされているのは、過去でも未来でもなく、紛れもなく現在の自分。

というか、現在「だけ」の自分である。

 

私が想像するに、ある程度のキャリアまで、オーディションというシステムは避けて通れないものだが、ある地点までたどり着けば、「仕事は出会いから」というパターンがほとんど。

つまり、オーディションも、この「仕事は出会いから」地点にたどり着くまでの、人脈を広げるチャンスとも言える。

 

ちなみに、先日最終選考まで行ったオーディションは、

パリを拠点にしたインターナショナルなものだったので、

なんと使用言語は私の最も苦手とする英語。

動機書の時点で、落ちても落ち込まない方法はないかと考え、

動機書自体を作品にした。

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ふざけてると思われたら終わりだと思ったが、

めでたく書類審査を通り、

一次審査のときに、動機書が最高だったと言われ、演出家と笑い合った。

 

俳優をやめる理由はいろいろあると思うけど、

オーディションに受からないからという理由でだけでは、

やめたくない。

俳優うんぬんの前に、いちアーティストとして、

自分の絶望は自分で決めたい。

他人に求められないことで、絶望するなんてもったいなさすぎる。

 

いかに、「オーディション」という機会を、こちらが利用できるか。

そんな有効な方法をまだまだ模索中。

 

 

コミュニケーション強制強化合宿

毎年モントリオールで開かれている舞台芸術フェスティバルFestival TransAmeriqueの若手アーティスト研修に参加してきました。

(シアターアーツでこのフェスティバルに関して詳しく紹介されています:http://theatrearts.aict-iatc.jp/201610/4837/

(前ディレクターのインタビュー記事も国際交流基金のページで紹介されています:http://www.performingarts.jp/J/pre_interview/0809/1.html

 

この若手アーティスト研修は、世界各国から集まったフランス語圏のアーティストたちによる国際ミーティングの場。

今年は、フランス、ケベック、カナダ、キューバ、ハイチ、イタリア、ドイツ、イラン、ベルギー、メキシコ、スイスから集まった24人のメンバーで11日間を過ごす。

応募条件は25歳から35歳までの舞台芸術に関わる「クリエイター」

年によって、多少ばらつきはあるものの、今年は参加者のほとんどが、演出家、もしくは振付家で自分のカンパニーやアソシエーションを運営する主宰の立場のアーティストがほとんど。

演劇、ダンスに限るという条件はないので、サウンドパフォーマンスや、インスタレーション、美術よりのパフォーマンスと、それぞれの参加者が関わっている分野も多岐にわたる。

そもそも、このフェスティバルのプログラムの特徴が、まさに最近よき聞かれる「マルチディシプリナリー」なものなので、このプログラムに興味を持った人たちも、いい意味でカテゴライズできない場所で活動している人が多かった。

応募締め切りは今年の1月初め。

履歴書とモチベーションレターを提出する。

フェスティバル側とともに財政援助を行う各国の事務局が選考に関わるので、合格の通知がきたのは、1ヶ月以上経ってからだった。

日本に窓口は設けられていないので、私はフランスの選考に応募したのだが、外国人を受け入れているのは、フランスだけで、他の国は、その国の国籍を持つ人が優先して選ばれたようだった。

フランスからは私の他にも、フランス在住5年目のイラン人のアーティストと、リヨンで活動するドイツ人のアーティストが含まれており、やはりフランスの懐の広さを感じずにはいられない。

俳優をメインでやっているのは、私くらいのものだったので、まずは他の参加者の経歴に圧倒されるところから始まり、フランス語を第二言語として使用している参加者たちの言語能力の高さにも打ちのめされ、やはり何年ヨーロッパにいても、この感覚はなかなか消し去ることができないと実感。

プログラムは連日9時から23時まで。

23時からは、もちろんフェスティバルバーでほぼ連日イベントが開催され、睡眠時間はどんどん削られていく。

具体的な活動内容としては、毎晩、フェスティバルのプログラムを観劇し、その作品について、朝から、まずはメンバーのみでの、クリティックを行う。

午後は、主に前日に鑑賞した作品の演出家や振付家が私たちのグループに参加し、ディスカッションが続けられる。

その他には、モントリオールの劇場ディレクターに会ったりと、モントリオールを中心としたケベックの舞台芸術プラットフォームを探っていく。

ケベックという特殊な土地柄もあって、ディスカッションの内容は、政治的な話題がほとんど。

正直、全く自分の社会に対する知識量が追いついていなかった。

連日ぶちあたる壁の量は、ひとつやふたつではない。

そもそも、23人を前に自分の意見をフランス語で理論立てて話すということだけでも、毎回手に汗を握る思いで、この緊張でアドレナリンが出る感じ、なんて演劇的なんだろう!と思っていた。

俳優、演出家という立場にかかわらず、

「批評」というキーワードが、

いかにアーティストを一人前にするかということを痛感する。

「批評」とはつまり、「問題意識」を持つこと。

その「問題意識」こそが、具体的な続ける理由を生み出す。

一言で言ってしまえば、30代という年齢が幕をあけるとき、

夢が、夢のままでは、物足りなくなるのだと想像する。

芸術家というと、なんとなく夢追い人みたいなイメージから逃れにくいのだが、

彼らの熱意と知識量、そして、社会への目の向け方に触れていると、

この人たちが、これから世界を動かしていくんだと信じずにはいられない。

 

結局はそのフィールドに関わる人たちの姿勢が、

そのフィールドの社会における立場を左右する。

 

演劇が世の中に必要とされるか、されないかも、

つまりは、演劇に関わっている人たち次第という単純な回路なのではないかと想像する。

 

 

それにしても、自分の無知を知り続けるということほど、地獄、かつ、刺激的なことはない。

 

私がおそらく一番ア世間知らずだったから、一番得をしたのではないかと自負する。

 

フランスにきてから、常々実感するのは、

コミュニケーション能力は、筋肉と同じだということ。

筋トレしなければ、育たない。

語彙を豊かにするために、同じレベルの筋トレではなく、

負荷を少しづつあげていく必要がある。

例えば、二、三人の間で、自分の意見を言うことと、数十人の前で意見を言うのとでは、

これまた、全く違う筋肉が求められる。

 

いつも、ここまで打ちのめされて、体に毒じゃないかと危惧するが、

どこをどうトレーニングしなければいいかわかってさえいれば、あとは時間さえあれば、人間は割とすぐに変われる生き物なのだと思う。したくなくても、ついつい成長してしまうのが、人間。

自分が底辺に位置するであろう場所に身をおくことは、

怖いし、苦しいし、惨めであるに決まっている。

ただ、「そんな屈辱的な場所」で得るスピードとインパクトは超絶である。

だからこそ、気づかないうちに「そんな屈辱的な場所」に入ってしまっていたというのは理想的だ。

しかも、高い確率で、知らない世界に足を踏み入れるという行為は、「そんな屈辱的な場所」に連れて行ってくれる。

そんなわけで、今回も、最高に屈辱的で最高にハッピーな出会い、終了!

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リミニ・プロトコルと朝ごはん。

ベルリンを拠点に活躍する、

アイディアが溢れて止まらないアーティスト集団『リミニ・プロトコル』

日本でも2013年に公演された『100%シリーズ』がモントリオールに登場。

100%トーキョー

 

リミニ・プロトコルの作品に初めて出会ったのは、なんと9年前。

『CALL CUTTA IN A BOX』

インドのコールセンターで働く人と、スカイプで一対一でお話しする作品。

(その時の様子を描いた過去の記事:『世界の小劇場-〜vol-1ドイツ編〜』@神奈川芸術劇

今、思い返しても、この作品によって、自分が勝手に作り上げていた演劇観というものが、完全に覆され、そのおかげで今も未知であり続ける演劇の魅力にとりつかれているのだと思う。

このような作品に出会えるのは、10年に1本だと思っていて、実際、あれから9年、国境を越えて演劇を見続けているけれど、『CALL CUTTA IN A BOX』を超える衝撃はない。

 

そんなリミニ・プロトコルのメンバーと朝ごはんを食べるチャンスが巡ってきた。

日曜日の10時半。

会場には、すでに、コーヒー、パン、ジャム、ピーナッツバター、ジュース、そして、なんとトースターまでセッティングされている。

 

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参加者はとなりの人に気を使いながら、

自分の朝ごはんを用意。

ノートも用意して準備万端。

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そして、朝ごはんスタート。

まずは、リミニが簡単に今までの活動を語り、

あとはいたって、インフォーマルなディスカッション。

俳優を使わないで、現地の人と作品を作るリミニのスタイルにぴったりあったシンポジウム。

途中でトースターのタイマーが、チンッ、と鳴ったりして会場はフレンドリーな雰囲気。

改めて、人は同じものを口にすると、他者に心を開いてしまう動物なのだと実感する。

 

午後、劇場に『100% Montréal』を観に行くと、

会場はまさに、朝ごはんのときと同じ雰囲気。

15分も経たないうちに、会場にいる観客は、

笑うだけじゃなく、拍手したり、ブーイングしたり、

つまるところ、「思わず」しゃべってしまうのだ。

 

リミニの演劇は、決して参加型だとは思わない。

観客は、いつのまにか、もしかしたら、自分も舞台に立つことになっていたのではないか?と錯覚してしまう。

そこで、舞台にいる出演者に、シンパシーを感じずにはいられず、しゃべり出してしまう。

 

さて、この公演、実はお土産付き。

100人の参加者の写真と紹介が書かれた本がすべての観客に配られる。

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これまた、100人全員知り合いになったと錯覚してしまうのが、リミニ・マジックである。

 

 

 

俳優はどんなに頑張っても子供と動物には勝てない?

観客で客席が埋め尽くされたのもつかの間、

なんの躊躇もなくつかつかと舞台に歩いてきたのは、

身長100センチにも満たないであろう女の子と、もう少し大きな女の子ふたり。

ガイアちゃん8歳、フィオナちゃん10歳。

舞台上に置いてあったマイクを、

舞台上の行動としては、「雑に」拾い上げると、

「私にとっての演劇」を体をぶらぶらしながら(と言っても、彼女たちにとっては、最も適した身体の状態)話し始める。

あまりのたどたどしさに、もちろん観客からおのずと笑みが溢れる。

客電は点きっぱなしなので、もちろん、舞台上の二人にも、観客の反応は見えているはずだ。

それぞれが語り終わると、彼女たちのタイミングでダンスのシーンに移行する。

二人は、ある一定のお約束のもと、交互に身体を動かし、もう一人は相手をコピーする(しようと努める)。

 

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http://fta.ca/spectacle/spoon/

 

フランス出身、モントリオールを拠点とし活躍するアーティストNicolas Cantin(ニコラ・カンタン)が選んだ今回の作品のコラボラターは彼女たちふたりである。

前々作は70代の俳優と、前作は30代、そして、今回は、ふたりの子どもと移行していることに特に意図はないという。

彼女たちの舞台での存在を通して、

俳優としては、演出家ニコラのポジションを考えずにはいられない。

何しろ、彼女たちのそれぞれの地図(俳優が上演時間中に行うべき行程)が全く見つけることができないのだ。

自分が俳優として、稽古中に意識して到達しようとしている場所は、いかに、演出家からの指示を自分の身体に混じらせていき、外からは見えなくしてしまうかということ。

ただ、彼女たちの場合、「演出」という概念がないので、

俗にいう「きっかけ」が一切見えないのである。

何か、舞台を見ている時に、気持ちのいいリズムを感じることがあると思うのだが、

彼女たちの「きっかけ」は彼女たちにとって、一番適切なタイミングのため、観客は完全に振りまわせれている感覚に陥る。

まさしく、この観客を「安心させてくれない」感じこそが、俳優がどんなに頑張っても子供と動物には勝てない、と言われる所以であろう。

 

しかし、ただ、子どもを舞台の上に立たせて1時間観ていられるかいうとそうでもない。

そもそも、演劇は特権階級的な考えに基づく古くからの歴史がある。

「見せる」俳優と「見る」観客の間に生じるヒエラルキーをどのように壊すか。

例えば、美術の分野でいうなら、「美術館の中では、私語は慎む。そして、作品に触れてはいないけない。」という慣習が産み出した、アーティストとそれを見るものの間に存在するヒエラルキーである。

静寂を強要された空間で、観客は、作品を共有するというよりも、おのずと「享受」する立場に回されてしまう。

彼女たちが身体をうごかしたり、スピーチをしたり、舞台上で行われたすべてのアクトに対して、意図は確実に存在していた。

ただひとつだけ特異な点があるとすれば、「見せる」意識が完全に欠落していたことである。

それによって、観客の立場は、ただ、作品を享受する立場から、彼女たちと同じレベルでこの作品をサポートする重要なひとつの要素に転換されたのである。

 

 

俳優はどんなに頑張っても子供と動物には勝てない。

しかし、俳優が持つ舞台上での責任感を少し観客に肩代わりしてもらえた時、

もしくは、肩代わりしてもらう勇気が持てた時、

彼女たちの魅力に近づくことはできるのかもしれない。