ベルリンを拠点に活躍する、

アイディアが溢れて止まらないアーティスト集団『リミニ・プロトコル』

日本でも2013年に公演された『100%シリーズ』がモントリオールに登場。

100％トーキョー

 

リミニ・プロトコルの作品に初めて出会ったのは、なんと９年前。

『CALL CUTTA IN A BOX』

インドのコールセンターで働く人と、スカイプで一対一でお話しする作品。

（その時の様子を描いた過去の記事：『世界の小劇場-〜vol-1ドイツ編〜』＠神奈川芸術劇）

今、思い返しても、この作品によって、自分が勝手に作り上げていた演劇観というものが、完全に覆され、そのおかげで今も未知であり続ける演劇の魅力にとりつかれているのだと思う。

このような作品に出会えるのは、10年に１本だと思っていて、実際、あれから９年、国境を越えて演劇を見続けているけれど、『CALL CUTTA IN A BOX』を超える衝撃はない。

 

そんなリミニ・プロトコルのメンバーと朝ごはんを食べるチャンスが巡ってきた。

日曜日の10時半。

会場には、すでに、コーヒー、パン、ジャム、ピーナッツバター、ジュース、そして、なんとトースターまでセッティングされている。

 

参加者はとなりの人に気を使いながら、

自分の朝ごはんを用意。

ノートも用意して準備万端。

そして、朝ごはんスタート。

まずは、リミニが簡単に今までの活動を語り、

あとはいたって、インフォーマルなディスカッション。

俳優を使わないで、現地の人と作品を作るリミニのスタイルにぴったりあったシンポジウム。

途中でトースターのタイマーが、チンッ、と鳴ったりして会場はフレンドリーな雰囲気。

改めて、人は同じものを口にすると、他者に心を開いてしまう動物なのだと実感する。

 

午後、劇場に『100% Montréal』を観に行くと、

会場はまさに、朝ごはんのときと同じ雰囲気。

15分も経たないうちに、会場にいる観客は、

笑うだけじゃなく、拍手したり、ブーイングしたり、

つまるところ、「思わず」しゃべってしまうのだ。

 

リミニの演劇は、決して参加型だとは思わない。

観客は、いつのまにか、もしかしたら、自分も舞台に立つことになっていたのではないか？と錯覚してしまう。

そこで、舞台にいる出演者に、シンパシーを感じずにはいられず、しゃべり出してしまう。

 

さて、この公演、実はお土産付き。

100人の参加者の写真と紹介が書かれた本がすべての観客に配られる。

これまた、100人全員知り合いになったと錯覚してしまうのが、リミニ・マジックである。

 

 

 

観客で客席が埋め尽くされたのもつかの間、

なんの躊躇もなくつかつかと舞台に歩いてきたのは、

身長100センチにも満たないであろう女の子と、もう少し大きな女の子ふたり。

ガイアちゃん8歳、フィオナちゃん10歳。

舞台上に置いてあったマイクを、

舞台上の行動としては、「雑に」拾い上げると、

「私にとっての演劇」を体をぶらぶらしながら（と言っても、彼女たちにとっては、最も適した身体の状態）話し始める。

あまりのたどたどしさに、もちろん観客からおのずと笑みが溢れる。

客電は点きっぱなしなので、もちろん、舞台上の二人にも、観客の反応は見えているはずだ。

それぞれが語り終わると、彼女たちのタイミングでダンスのシーンに移行する。

二人は、ある一定のお約束のもと、交互に身体を動かし、もう一人は相手をコピーする（しようと努める）。

 

http://fta.ca/spectacle/spoon/

 

フランス出身、モントリオールを拠点とし活躍するアーティストNicolas Cantin（ニコラ・カンタン）が選んだ今回の作品のコラボラターは彼女たちふたりである。

前々作は70代の俳優と、前作は30代、そして、今回は、ふたりの子どもと移行していることに特に意図はないという。

彼女たちの舞台での存在を通して、

俳優としては、演出家ニコラのポジションを考えずにはいられない。

何しろ、彼女たちのそれぞれの地図（俳優が上演時間中に行うべき行程）が全く見つけることができないのだ。

自分が俳優として、稽古中に意識して到達しようとしている場所は、いかに、演出家からの指示を自分の身体に混じらせていき、外からは見えなくしてしまうかということ。

ただ、彼女たちの場合、「演出」という概念がないので、

俗にいう「きっかけ」が一切見えないのである。

何か、舞台を見ている時に、気持ちのいいリズムを感じることがあると思うのだが、

彼女たちの「きっかけ」は彼女たちにとって、一番適切なタイミングのため、観客は完全に振りまわせれている感覚に陥る。

まさしく、この観客を「安心させてくれない」感じこそが、俳優がどんなに頑張っても子供と動物には勝てない、と言われる所以であろう。

 

しかし、ただ、子どもを舞台の上に立たせて１時間観ていられるかいうとそうでもない。

そもそも、演劇は特権階級的な考えに基づく古くからの歴史がある。

「見せる」俳優と「見る」観客の間に生じるヒエラルキーをどのように壊すか。

例えば、美術の分野でいうなら、「美術館の中では、私語は慎む。そして、作品に触れてはいないけない。」という慣習が産み出した、アーティストとそれを見るものの間に存在するヒエラルキーである。

静寂を強要された空間で、観客は、作品を共有するというよりも、おのずと「享受」する立場に回されてしまう。

彼女たちが身体をうごかしたり、スピーチをしたり、舞台上で行われたすべてのアクトに対して、意図は確実に存在していた。

ただひとつだけ特異な点があるとすれば、「見せる」意識が完全に欠落していたことである。

それによって、観客の立場は、ただ、作品を享受する立場から、彼女たちと同じレベルでこの作品をサポートする重要なひとつの要素に転換されたのである。

 

 

俳優はどんなに頑張っても子供と動物には勝てない。

しかし、俳優が持つ舞台上での責任感を少し観客に肩代わりしてもらえた時、

もしくは、肩代わりしてもらう勇気が持てた時、

彼女たちの魅力に近づくことはできるのかもしれない。

 

ある日の電車の中。ガタンゴトン、ガタンゴトンという一定のリズムに揺られている。

唐突に、となりに座っているいた人が音もなく立ち上がり、

服を脱ぎ始めたらどうするか？

驚いて、あたりを見回すと、

斜め前の座席に座っていた人も立ち上がり、彼もまた徐に服を脱ぎ始める。

そして、すっかり全裸になるとまた座席に座りなおす。

 

デンマーク出身の振付家Mette Ingvartsenの『7 Pleasures』は、

例えるなら、まさにこのように幕を開けた。

http://fta.ca/spectacle/7-pleasures/

 

モントリオール初演となるこの演目は、2015年に初演を迎え、

すでに、ダンス界では一目置かれるリパートリー作品となっていた。

数年前から、私の舞台芸術版『観ずに死ねるか！』リストに入っていた作品である。

 

FTAでの初日、もちろんチケットは完売。

当日券の列ができている。

この日にモントリオール入りして、チケットのなかった私に天使の手が現れる。

会場に行こうと道に迷っていたところに、声をかけてくれたフェスティバルスタッフが、

チケットの世話までしてくれ、どこからか入手してきた。

海外で路頭に迷っていると、いつだってどうにかなるから不思議だ。

 

開場は開演5分前。

客席への扉が開かれる前から、

深夜のクラブを思わせる音楽が漏れている。

 

爆音が鳴り響く中、客席へ。

舞台には、洗練された家庭のリビングを思わせる家具が置かれている。

 

客席がいっぱいになり、

爆音の音に負けずと、談笑を続ける観客たち。

そろそろ開演かなと思う間も無く、

同列に座っていた男性が、徐にたちあがり、滑らかに服を脱ぎ始める。

あまりの自然さに、ただただ目が点。

客席前方に視線を移すと、すでに別の女性が、トップレスになっていて、

まさにズボンを脱いでいるところだった。

同列の男性に視線を戻すと、

すっかり全裸になって、また何事もなかったかのように、

私たち観客たちと一緒に座っている。

私の周りに座っていた高校生ぐらいの女の子のグループは、

視線のやり場に困りながら、

他にリアクションの仕方がわからないといった様子で、

互いに顔を見合わせながらくすくすと笑いあっている。

数分後、ようやく、観客が、

パフォーマンスがすでに「開演」していたことに気づいたころ、

彼らは、また立ち上がり、観客の間を縫って、客席から舞台に向かう。

性器丸出しの男性に、席をたって、（思わず下を向いてしまいながら）通り道をつくってあげた経験は、

未だかつてなかったと思う。

さっきまで、舞台上ではなく、自分たち観客と同じ空間にいた、

12体の裸体が、舞台の上で、重なり、離れ、そして、また群れとなり移動していく。

 

60 年代、すべての人間が所持している「身体」は、

なによりも政治的な存在であった。

この政治的発言権を持つ「身体」を使って、

新しいコミュニティの形を提示することは、彼女にとって必然であった。

 

そして、現在、政治とセクシュアリティ、政治と身体、そして、裸との関係は、さらに複雑なものに変化していると語る。

資本主義社会において、私たちの身体は、身体そのものというよりも、身体が与える「イメージ」がどのように「生産」されるかということにその存在を左右される。

例えば、セクシュアルなイメージを付加された身体を用いた広告で、性的欲求を誘発することは簡単なこと。

この作品において、彼女がうたいたかったことは、

社会において定着してしまった、「身体」のイメージの修正である。

 

難しい話はさておき、

舞台芸術作品の「始まる」瞬間、

つまり、観客と作品、二つの空間が「融合」をし始めるその瞬間が、

いかに重要かということをアーティストとして再認識させられた時間だった。

 

舞台芸術に関わるアーティストは、客入れ、そして、舞台の始まりを彼らが客席で待つ時間、そこまでオーガナイズできる権利を持っている。

もちろん、その権利を行使するかしないかは、アーティストの自由として。

 

少なくとも、自分と同じ立場、もしくは、空間を、その他複数の人間とともに共有していたひとりが、

ある瞬間に、「服を脱ぐ」という特殊な行為を行ったことで生じた「違和」は、

上演中、消えることは一度たりともなかった。

 

少なくとも、あの瞬間、

客席は、「フィクション」を享受するというお約束のもとに、守られた場所ではなくなっていた。

電車と同じくらい、日常でありながら、

少しでもおかしなことが起きた途端にその均衡は崩れてしまう可能性を秘めた、実に不安定な空間であった。

このようにデザインされた空間に立ちあえるということは、

舞台芸術という分野でしか、味わうことのできない最高のご馳走である。