コンセルバトワール15区の公演が終わったのもつかの間、
昨日は、演出クラスで６月に行われる公演、
『ドストエフスキー・ナイト』のワークインプログレスでした。
先生の知り合いのプロの演出家や役者の方々が、
６人ほど参加してくれました。
２時間の公演のあと、１時間のディスカッションの予定でしたが、
いつもどおり、ディスカッションが白熱して１時間延長しました。
火曜日に公演が終わってから、
授業以外は、
昼寝ばかりしていたので、
すっかり稽古ができず、
４月にもまたワークインプログレスが行われる予定だったので、
今日は断念しようと思っていたのですが、
スタジオについたとたんに、
先生のマリオンに、
「発表、香子ちゃんから始めるからね！」
と、断言されてしまい、
もはや断れない状況。
マリオンは、いつも、
「いかに、作品に『インプロ』の場所を残せるかが、作品をいつでも初演に保つ秘訣だ」
と、私たちに言います。
なので、
準備不足だけど、新しいお客さんもいるし、
やってやるぞ！
と思って、私の約30分間の一人芝居、
ドストエフスキー『おかしな人間の夢』より、『おかしな香子の夢』スタート。
おかしい…
もちろん、今までにも、何回も皆の前で、
発表しているので、
滞りなく出来たのですが、
「インプロ」も、
「ミラクル」も、
何も起きなかった。
その分、自分の演出を丁寧に忠実に落ち着いてできて、
終わってからのディスカッションでも、
構成について、褒めていただけましたが、
役者としては、
もっと、もっと、
あの時の、あの空間でしかプレゼントできない、
お客さんへの『おまけ』が、
絶対的に不十分だったと思う。
それが、なかったからといって、
作品には支障はないのですが、
やっぱり『おまけ』こそが、
作品をちょっとだけ、
もしかしたら、根底からリッチにする。
おそらく、
マリオンのいう「インプロ」とは、
この『おまけ』のこと。
つまり、私の恥ずかしい勘違いとは、
本番で「インプロ」が生じる余地を残しておくためには、
稽古しすぎてはいけない、と思っていたこと。
「インプロ」（ミラクル）は、
稽古に、稽古を重ねて、初めて生まれるもの。
稽古不足のときには、絶対に期待できない。
むしろ、期待してはいけない。
それは、ただの「怠慢」
逆に、本番で、稽古通りのことが行えるように、稽古するんじゃなくて、
本番で、ミラクルを起こすために、稽古しまくる。
稽古しまくってるからこそ、
勇気を出して、「インプロ」（リスク）を冒せる。
ということがわかったので、
無理矢理やって、
恥ずかしい思いができてよかったです…
反省。

昨日は、15区にあるThéâtre Saint-Léonという教会みたいな素敵な劇場で、
コンセルバトワール15区の公演がありました。

受験の準備で、うっかりしていましたが、
実は、かなり大きなイベント。
テーマは、『家族』
いままで、それぞれが取り組んできたシーンをコラージュのようにして、発表。
ブレヒト、チェーホフ、シェイクスピア、ミッシェル・アザマ、モリエール、ラシーヌ、ロベール・ トマetc…
最初と最後には、生徒の一人が書いた戯曲を、
全員で演じました。
実は、この公演に関して１週間前に小さな事件がありました。
私も、皆と同じように、
今までいろんなシーンに取り組んできて、
『家族』を取り扱ったものも、結構あったのですが、
よく一緒にシーンを作っていた男の子が、
今月からアルゼンチンの演劇学校に行ってしまったので、
私のシーンがなかったのです。
私も、受験で忙しかったし、
まあ、残念だけどしょうがないか、とあきらめていたのですが、
今までにもよく戯曲を書いていた男の子が、
私が今まで、取り組んでいたビクトル・ユーゴーの脚色バージョンを書いて来てくれました。
すごく面白くて、私は、気に入ったのですが、
一週間前に稽古を始めるのは、リスクが高すぎると他の生徒に言われてしまって、
むしろ彼が責められて、
ちょっと修羅場。
そしたら、他の女の子がそんなことはない！と、言い張って、
次の受験に向けて、
準備し始めていた、ジョエル・ポムラの『うちの子は』という作品を、
発表しようと言いだしたのです。
とにかく、台詞を覚えるのに時間がかかってしまうので、
いやあ、無理だろう、と思いながら、
発表会で、出番がなくて目立つことが出来ないのは、
絶対悔しいし、
逆にストレスになると思って、
つい、出来ます！と言ってしまいました。
金曜日まで受験があったので、
先週の土・日・月と、地獄の暗記…
ところで、やっぱりそれでも頑張れたのは、
この戯曲が最高に面白いからです。
去年、SPAC「ふじのくに⇔せかい演劇祭」で来日予定だった『時の商人』の作家であり、演出家。
http://ja.wikipedia.org/wiki/ジョエル・ポムラ
そして、今、フランスの現代演劇界で、
一番と言っていいほど、
熱い演劇人です。
日本語の翻訳も出ています。

文章自体が、とってもシンプルなので、
稽古をしていて、
初めて、
日本語で演じている感覚になって、
「台詞」って、
自分の口から、
声にして、
音にして、
出すだけで、
こんなに、
自分の身体、
相手、
空間、
すべてに、
影響を与えてしまう力を持っていたのか
当たり前の感覚が、
死ぬほどありがたくて、
もったいなくて、
涙でました。
『うちの子は』という戯曲は、10個親子にまつわる話ののオムニバスになっていて、
私が取り組んだシーン５は、
若い母親が、自分の赤ちゃんを
子ども好きの子どもが出来ない近所の人にあげる、
という話。
この作品の怖いところは、
限界までいった『匿名性』
ありえないようなストーリーなのに、
人物像がどこまでも、
匿名であるため、
100人いたら、100通りのポイントで、
そっと針で突いてくる。
あとは、糸が勝手にするすると、
記憶のかけらを縫いあわせていってしまう。
役者としての、
私の解釈とか、
一切なしに、
どこまでも、
正確に真摯に、
ストーリーを伝えられるか。
多分、これは、
現代戯曲を扱うときのポイントのような気がします。
そこで、もう１つ、
圧倒的に必要になってくるのが、
役者として舞台に「存在」する強度。
最後の最後まで、
台詞が心配でしたが、
やるだけやったから、
あとは、観客が助けてくれるだろう、
という気持ちで、ステージへ。
正直、ぶちかましました。
私の発音の悪さも、台詞が不安だったことも、
全部利用して、
ライブしました。
友達のシーンの相手役で出演した『ハムレット』のオフィーリアは、
かなり課題が残りましたが、
初めてのフランス語での舞台、
「攻めて」いけて、
私は、満足です。
２週間前、
友達の稽古に遊びに行ったときに、
演出家が言っていた、印象的なことば。
「演劇は、『物語』を語ること、ただそれだけ。」

ずいぶん、時間軸がずれますが、
先週の水曜日に演出家ワークショップ全30時間、
無事に終了しました。
あんまり、
個人的な感情とか感動とか、ブログに書きたくないのですが、
フランスに来て、コンセルバトワールに入ってから今まで、
自分がなんで、フランスで、しかもフランス語で演劇勉強してるのか、
全くもって謎だったのですが、
（経験とか、充実とか、そういうことはおいといて。）
本当に初めて、
フランスで演劇勉強してよかった！！！
と、思えました。
最終日は、１時間の全体フォーミングアップのあと、
久しぶりの「抱きしめ合う」エクササイズ。
10人全員で、空間を歩いて、
どんどん身体をひらいていって、
お互いに認識したと感じた瞬間に、
立ち止まってゆっくり抱きしめ合います。
このエクササイズにはバリエーションがあって、
自分の認識する空間をどんどん広げていって、
なるべく遠くの人と、
意識がクロスした瞬間、
同時に走り出して、
二人の中間で、
抱きしめ合ったり、
言葉を交わしたり、
というパターンもあります。
今日は、とにかくゆっくり大切に誠実に、
「相手」そして、「全員」を感じる。
これが、学校が始まった当初は、
どうにもこうにも抵抗ありまくりだったのですが、
今日は、全員と「恋人」になったような感じでした。
そして、３時間の個人作業のあと、
最終ショーウィング。
最終ショーウィングだからといって、全員発表できるとは限らないので、
もちろん、早い者勝ち。
私は、この掟に従って、３日間毎日その日その日の作品を発表しました。
今回、試したかった一番のこと、
「観客」とどう関係性をとるか、
ということが、
一人で稽古していても、なかなか試せないことが多かったからです。
フランス人の観客だから、
私が外国人だから、
見えてくる課題や可能性が、
どんどん溢れてきて、
もちろん完成はしていませんが、
「私の演劇」って、ここなのかしら？
と、いままで0,1㎜くらいづついろんな方向に対して持っていた思考が、
ふっとまとまって２㎜、3㎜くらいになりました。
逆に、皆の作品を観ていて、
日本にいないと確実に生まれないであろう演劇観というものも、
明確に見えてきました。
今の、日本の演劇（小劇場）界の身体への関心、
これは、日本の最強の強みだと思います。
毎回授業の最後に、
フィードバックとして、
それぞれの作品に対して、全員でディスカッションを行うのですが、
そこで、いつも質問されたり、関心を持ってもらえたのは、
「身体」の扱い方についてでした。
もちろん、私にしてみれば、
大学時代から、当たり前にやっていたことだったりするのですが、
かなり掘り下げられた。
３日間、30分近い作品を一人で、
26個の目の前で、
発表して、
演劇という芸術の構造の恐ろしさに震え上がりました。
怖い。
本当に、怖い。
でも、常に、28個の目を手に入れる可能性を持っていて、
その「強度」を想像して、
観客である皆のことを、
そっと、それから、ぎゅっと、抱きしめて、
とても穏やかなのに勇敢な気持ちになって、
こうやって、
観客に触れればいいのか、
と、少しだけ思いました。
３月にワークインプログレス、
６月に本公演です。
ちなみに、先生は、いつも私の作品の話をするとき、
『おかしな人間の夢』、
じゃなくて、
『おかしな香子の夢』、
と呼んでいました。

演出家クラスの本当の恐怖を知った１日でした。
そもそも、演出家クラスといっても、
演出だけをやれる訳じゃないのがこのクラスの根源。
つまり、誰を演出するかというと、
役者である自分自身。
グループ創作であっても、
「自分」という役者を使って、
自分の演出プランを具現化していく。
まずは、各グループが現段階での作品を発表。
ちなみに、１日目からほぼ完成型のプロポジション（案）を全員の前で発表します。
本日のプログラム。
１、『弱い心』(Слабое сердце)
２、『おかしな人間の夢』(Сон смешного человека)
３、『おかしな人間の夢』(Сон смешного человека)
４、『鰐』
５、『地下室の手記』(Записки из подполья)
６、『白夜』(Белые ночи)
なぜか、みんな割とマイナーなドストエーフスキー作品を選択。
やっぱり、あまり手が付けられてない作品の方がやりがいがあるからかしら。
それにしても、
全員の授業態度はよくも悪くもハイパー正直。
客席も、毎回舞台上に設置されるので、
舞台、客席のしきりは一切なし。
常に観客の反応を全面に感じながら作品を発表します。
つまらなかったら、なんと、
床にねっころがってしまう人までいるのに、
先生も他の生徒もおかまいなし！
いつものことだけど、カルチャーショック。
終わってからのディスカッションでも、
「全く意味が分かりませんでした。」と、真剣に感想を述べている人がいて、
おもわずぞの率直さに笑ってしまいました。
ディスカッションでいつも話題になるのは、
１、観客とどうコネクションをとるか。
フランスの俳優は、観客に向かって語りかけるとき、
本当に自然に一人一人の目を見て話してくる。
これは、どうやら学校教育の影響が大きいようです。
フランスでは、小学校からスピーチの授業が大部分をしめていて、
試験でも必ず、筆記だけではなく、
クラス全員の前で行われるエクスポジションが常にあるそうです。
おおぜいの人に、自分の考えをいかに有効に伝えるか、
演劇界のみならず、フランス人全体が
幼いときから、そういう訓練を受けているのです。
そのせいか、
演出プランの中でも観客にダイレクトに語りかける演出が多い。
こういうときに、間違っても台詞として話してしまうと、
一切無効。
２、解釈にいかに「自分」というものを介入させるか。
小説の解釈なので、
身体や言葉の指定は一切ありません。
そこで、重要になってくるのが、
自分の個人的な考えをいかに、
作品に組み込んで、作品を作家と自分の中間に位置づけるか。
例えば、「仲良し」のポールとピエールが、
二人の役を演じるとき、
いかに、普段の「仲良し」の関係を利用できるか、ということ。
これは、ポールとピエールにしかできない個人的なことで、
作品には一切関係ない。
でも、その関係からしか生まれない解釈もあるのでは、という考え。
だから、わたしも、
この２点に関して、
隅から隅まで日本人の竹中香子であることを、
意識して作品を作る。
それにしても、究極の一人芝居だった。
原作：ドストエフスキー
脚色・美術・演出・出演：竹中香子
みたいな。
言い訳の余地、ゼロ。
本当にゼロ。
これほどの責任を負って、舞台に立つといのは、
あり得ないほど危うく、脆くて、壊れそうだったけど、
それを扱えるのは、やっぱり自分しかいないから、
扱ってみた。
苦しくなるほど、悦だった。
なぜ、こうもポジティブな感情とネガティブな感情って、
紙一重なのでしょう。
みんなからアドバイスをたくさんもらって、
再度練りなおし。
きっと、うまくいけば、
一人芝居じゃなく、
観客13人との14人芝居になる。

明後日から、
演出家クラス、怒濤の３日間30時間スタージュ（ワークショップ）が幕を開けます。
それに向けて、
先週と今週は、各グループごとに先生とコンタクトをとって、
自分の現段階での作品を発表して、
話し合うという段階でした。
私が選んだのは、『おかしな人間の夢』という作品。
『カラマーゾフの兄弟』の３年前に書かれた作品で、
発表当時の評判は芳しくなく、
ほとんど無視されたようです。
日本では、論創社から翻訳が出ています。
おかしな人間の夢 (論創ファンタジー・コレクション)
太田 正一 (翻訳)

基本的にグループで創作することになっていて、
私も、元々は『白夜』チームに入っていたのですが、
どうしても言葉の問題で、
ディスカッション時に受け身になってしまうことを避けたかったので、
ソロで作品をつくることに。
以前から、演出クラスで扱っていた『地下室の手記』と似ている、
鮮烈に澄み切った「どぶ」、
という感じの印象が頭からはなれず、
ドストエフスキー作品としては、マイナーなこの作品を選択しました。
演出クラスの先生のマリオンはとにかく惜しまない人。
まだ、20代後半か30代前半だと思うのですが、
マリオンが授業中に自分の感想を述べているだけで、
そのパッションに圧倒されて、
涙が出そうになります。
こんな表情で、
なにか物事を語られたら、
いつの間にかマリオンの空間に吸い込まれて、
もうこっちまでどんどん全身が熱くなってきてしまう。
今日も、他のグループが来れなくなったのに、
私一人のために、
授業外で、
コンセルバトワールまで来てくれて、
１対１で、私は作品を発表。
贅沢。
小説を立体化する作業の無限さといったらない。
ヒントだらけなのに、
そのまま使えるものは一つもない。
だから、
必然的にすべての瞬間に「私」が介入することになる。
ドストエフスキーと言ったら、
やっぱり「狂気」。
この状態をいかに生産するか、
まずは、そこに観点をしぼってみることにしました。
例えば、
今日私は、２時間早く家を出て、
コンセルバトワールで自分のプランを試してみようと思ったのですが、
思っていた広さのスタジオが借りられず、
狭いスタジオになってしまいました。
そこで、
「狂気」の導入として、
服がうまく脱げないいらいらを、
脱げないまま空間を動きまくって、
つくってみようと思っていたのですが、
この狭さでは、不可能。
そこで、この狭いスタジオにあわせて、
両手をおもいっきり上に上げたまま冒頭の部分を読んでいたら、
３分もしないうちに、
死ぬほど腕が痛くなってきて、
身体が勝手にもぞもぞ動いてきて、
言葉もうまくしゃべれなくなって、
あっさり「狂気」に突入。
マリオンの前では、
ほぼ即興で発表したのですが、
身体の状態が普通でないと、
どんどん頭の中にある、『おかしな人間の夢』のストーリーが、
私の身体を通して、
トランスフォームされていくかんじ。
３月頭の受験に向けて、
スタージュ参加者もかなり減ってしまったし、
私も、課題が多すぎてしまうので、
受験に集中するため断念しようかと思っていたのですが、
マリオンは、
なにか、オーディションとか試験を受ける前は、
準備しまくることよりも、
演劇漬けな日々に身をおいて、
創造しまくって、
感覚をびんびんに張り巡らせておくことだと言っていました。
そうしないと、
たいてい、
当日、
さんざん稽古してたものが、
あっさり色あせてしまうそうです。
マリオンの言うことを信じて、
私も、
ひとまず受験はおいといて、
ドストエフスキーモードに突入!!