来月頭からの本番が近づき、

未だかつてない過酷なプランニングをこなす毎日。

基本、スケジュール表には、10時から24時と明記してあり、

スタッフが舞台作業があるときだけ、午前中の稽古がなくなったりする。

 

４作品同時上演のため、終盤の稽古では、

４人の演出家、４つの作品と交互に関わっていく。

通しを中心にリハーサルを演出家、

テクニックとの合わせに力を入れる演出家、

最後の最後まで、演技の詳細にこだわる演出家、

あえて、即興的部分を残して完成させない演出家。

作品の前に、創作過程が全く異なる。

 

そんな環境で、改めて実感するのは、「いい」演劇、「いい」俳優が存在しないかということ。

演出家、もしくは、作品のタイプによって、

求められることは全く違う。

いかに、柔軟に対応し、ある作品での価値観は、決して他の作品に適応しないということ。

それでは、多様性溢れる演劇マーケットで、

「いい」演劇、「いい」俳優の代わりに何を求めるのか。

「柔軟でありながらぶれない」演劇であり、

「柔軟でありながらぶれない」俳優であると思う。

現在に対して柔軟でありながら、芯を通っている演劇であり、

演出家の世界観に柔軟でありながら、その信頼を観客（世間）を前にしても貫くことのできる俳優。

 

さらに、「柔軟でありながらぶれない」俳優というものを突き詰めていくと、

作品においての自分のポジションを捉えらた上で、

「気の持ち方」のようなものを調整できているかということにもつながると思う。

おそらく、社員として仕事をするのと、社長として仕事をするのとでは、求められていることも、本人の意識も全く違うという感覚と同じだと思う。

 

例えば、４作品、１１人の俳優で創作していれば、

作品によって、メインの役だったら、脇役だったりということがもちろん出てくる。

私の個人的感覚では、

脇役のときこそ、自分を立てて、主役のときこそ、周りを立てるということである。

 

言葉のこともあり、

この３年間、脇役に配役されることが多かったけど、

毎回全力で暴走してきた。

今回、初めて、ひとつの作品でメインの役を任され、

今までと同じ気の持ち方では、決してうまくいかないと思った。

いかに、周りを際立てさせることができるか。

 

演劇がこうも多様になった現在、

俳優として、自分が、新劇とか、アングラとか、パフォーマンス系とか、ナチュラリズムとか、

どんな演劇スタイルに向いているのかを考えてしまいがちだけど、

職業俳優、もしくは、俳優育成の環境で求められているのは、

そこではない気がする。

どんな作品にせよ、自分の役（作品におけるポジション）に合わせて、

的確なスタンスで、

共演者、演出家と、議論しながら、

簡単に言ってしまえば、「大人な態度」で創作に関われる俳優。

言葉でいうのは簡単だけど、

現場で実践するのは難しい。

 

とにかく、明るい気持ちで毎日現場に迎えるように、

しっかりカフェのテラスで太陽を浴びてから稽古に行くのが日課。

 

待ち時間についつい居眠り。

しっかり証拠を撮られていた。

 

 

 

 

幼い頃、よく祖母から「腹八分目」と言われていて、

その習慣は守り続けていたものの、

いつの頃から、食後のデザートが欠かせなくなったので、

結局腹いっぱいになって、ごちそうさまをする今日この頃。

 

それにしても、腹八分目とは、

なんて控えめで美しい言葉だろう。

20%を残すという美学がなんとも日本的で賢明な態度である。

 

前回に引き続き、

大女優に学ぶ演劇論シリーズ第二弾は、

まさに、この「腹八分目」がキーワードである。

彼女の稽古を見ているとわかるのが、

どんなに骨格を正確に構築していっても、

肉付けは行わないということである。

つまり、稽古の段階で、骨格のみの「八分目」をキープし、

繰り返すたびに、残りの20%を肉付けする。

ただし、この肉付け部分に関しては、使い捨てなのである。

繰り返されるたびに、解体される肉部分。

肉はとっておくと腐るから、毎回捨てて新しいものをまた骨格につけていく。

 

これは、簡単なようで、予想以上のエネルギーを必要とする過程である。

肉は、外部の空気に触れる最も重要で、繊細な部分であるから、

この肉を新鮮に保つために、その都度並々ならぬクリエイティビティが求められるのだ。

 

そんな大女優は、相変わらず、舞台の外ではあっけらかんとしていて、

演出家に褒められても、

あなたにはわからないかもしれないけど、すごい難しいのよ！と念を押す、茶目っ気ぶり。

私のアクセントに対しても、非常に寛容で、

自分にはできないことだから、羨ましい！と褒められる。

 

そんな彼女から、先日頂いた極上の一言。

「常に、上を目指しなさい。」

演劇の稽古というと、どうしても、同じことを繰り返すというイメージがあるのだが、

実は、その真逆。

例えるなら、スポーツ選手の精神で、

フィールドに立つたびに、１秒でもはやく、１センチでも高く上を目指すのだ。

個人的には、ずっと自分の演技に安定感がないことが、

一番の弱点と認識していて、

その克服を目指して、日頃意識していたのだが、

目指すべきところは、その逆だったと思い知らされる。

いい演技ができた時、

その演技をもう一回やろうとするのではなく、

ベストを更新した自分に残される課題は、

その自己ベストの更新という、実にシンプルなもので、

自己ベストをキープすることではない。

 

20%の肉付けで自己ベストを更新し続けるためには、

稽古の段階で、

いかに八分目までの骨格を、

頑丈につくれるかがポイント。

ここには、思い切りなどではなく、

建築家のような緻密さが求められる。

 

「常に、上を目指しなさい。」

この言葉を胸に、

もはや安定感ではなく、

アスリートの精神を求めて、

強気なわたし。

 

 

 

 

 

dramaturgie Marion Stoufflet
scénographie François Gauthier-Lafaye
collaboration à la scénographie James Brandily
lumière Niko Joubert
collaboration à la lumière César Godefroy
composition musicale Olivier Pasquet, Philippe Orivel
son Géraldine Foucault
collaboration au son Florent Dalmas
costumes Lucie Ben Bâta
vidéo Edouard Trichet Lespagnol
accompagnement artistique Jane Piot

水曜日のダウンタウンの見過ぎで、

私も何か説を立証したくなったということで、

今回、私が持ってきた説はこちら。

「演劇人に悪い人０人」説！

 

現在創作中の作品では、

今年も、「フランスのトニー賞」と呼ばれ、映画の「セザール賞」、音楽の「ヴィクトワール・ドゥ・ラ・ムジーク賞」に並んで、フランス演劇界において重要な賞「モリエール賞」にノミネートされた女優、Dominique Valadié（ドミニク・ヴァラディエ）氏がスペシャルゲストとして出演している。

元コメディー・フランセーズの女優でもある彼女は、モリエール賞ノミネート回数５回ともはや演劇界、神の領域。

パリ国立コンセルバトワールを卒業後、

アントワーヌ・ヴィテーズ氏と主に仕事をしていた彼女は、いま振り返れば常にハイレベルでフランス演劇界において、重要な作品に関わっており、クロード・レジ氏の作品に出演したことも。

近年は、現在私たちの演出家である、アラン・フランソンのほぼ全作品に出演している。

 

そんなドミニクの到来に、稽古場は、一種の戦慄にも似た期待で凍りついたが、

彼女の大女優「らしからぬ」態度に、一同の緊張は一気に解ける。

公演のため、私たちより、２週間遅れて稽古に参加したため、

わからないところは、私たちになんでも質問し、

一番感銘を受けたのが、臆せずして失敗し続けること。

つまり、最初から、当たり障りないかたちで、「うまい」演技をするのではなく、

若者たちにいいところを見せるわけでもなく、

とにかく自分のために失敗しまくる。

 

台詞が覚えられない、と言って、舞台袖で何度も台本を確認し、

稽古で台詞を間違って、本人も思わず笑ってしまっている。

そんなチャーミングな大物女優のアマチュアリズム全開な演技と、

プロフェッショナルな舞台裏での素顔に、

一同、目を奪われっぱなし。

 

改めて、演劇とは、なんてごまかしのきかない芸術なのかと痛感する。

どんなに、経験があっても、舞台の上に立ったらみんな一緒。

何があるかわからない。

稽古の過程においても、台詞を覚えるという実に地味な作業から始まって、

繰り返し繰り返しを重ねながら、ほんの数ミリずつ作品を創り上げていくのは、

どんなレベルの俳優にとっても同じこと。

翌日になれば、うまくいっていたと思われたシーンが完全に崩壊されていることもあるし、

本番があけたとたんに、稽古とは全く変わってしまうことだってある。

小道具や衣装、舞台美術のトラブルだってある。

これらのことすべて、すべての俳優に起こりうることなのだ。

 

そもそも、こんなにもキャリアを安定して積めない職業はまれだと思うし、

演劇に欠かすことのできない地味な過程を長年真摯に続けられることができる人に、

悪い人はいないと思う次第である。

はっきり言って、大物が威張ったところで、いい作品はできない。

演劇の本番とは、恐ろしいもので、

舞台作品における透明性の高さだけは、決して油断してはならないと思う。

共演者間の人間関係、

演出家との関係、

現場の空気、

少し角度を変えれば、観客はフィクションの中のノンフィクションまで、すっかり見通すことができる。

 

それにしても、

人間の「エゴ」とはなんて邪魔なものだろう。

稽古中であっても、人が見ているとついつい最短の道のりで「いい」演技をしたくなるもの。

ドミニクは、あえてあえて遠回りして、正解に行き着かないようにしている気がする。

例えるなら、球形のスポンジといった感じで、

静かにころがりながら、空間に起きた出来事をなんでも吸い込んでしまう。

 

私の抱く大女優のイメージを完全に覆してくれた彼女に心からの感謝と敬意を。

 

稽古中にとってもらったポラロイド。

 

 

 

 

最近、稽古をしながら、よく演技の「再現性」について考える。

そもそも、日本で大学の外の公演に出演しはじめたときに、

自分の演技の不確定性に、公演期間が延びれば延びるほど危機を感じ、

早く言えば、このままだと、お金を稼いで生きていけないと思い、

渡仏したわけだけど、

５年もかかって、ようやく、日本にいたときの自分の当初の課題にぶち当たるとは、

なんとも、遠回りをしたものである。

 

とはいえ、今になって、６月に控えた３週間公演と、１１月のツアー。

また、別の作品での1年契約など、

人間、目の前に壁が迫ってきたからこそ、

腰をすえて、どうその壁をよじ登ろうかと考えられる。

 

というわけで、最近、常に課題にしているのが、

稽古の段階から、100回公演を前提とした、

演技を構築していくこと。

たとえば、今回の作品では、

男女の殴り合いに近いような壮絶な喧嘩シーンがある。

演出家と、相手役の俳優と、

５時間くらいかけて、ベースとなるシーンを創り上げた。

演出家から、Okも出てなかなかいいシーンができたものの、

俳優にしかわからない、身体のコンディションとしては最悪。

あえて、身体を硬直させて、声を張り上げるため、

喉は、心配だし、

激しい動きに翌日は、予想どおりの筋肉痛。

これぞ、「10回公演ならぎりできるけど、100回公演は無理な演技」の典型。

ここから、演出家抜きで、

相手役の俳優と何回も繰り返し、

同じシーンのリズム、演出、エネルギーを保ったまま、

自分の身体に一番負荷がすくない場所を探していく。

その中で、完全に、100回あったら100回同じように演じる必要があるポイントを決める。

特に、序盤。

序盤のリズムが正しければ、後半、幾つかフリーゾーンを残しておいても、

演技をガチガチに固めることなく、

フォームをつくることができる。

なんて、まだまだ分析途中。

 

そういえば、以前、宮本武蔵『五輪書』に関わる、

作品の翻訳を頼まれたときに、

少々勉強したのだが、

地の巻で、この「リズム（拍子）」について、宮本武蔵が書いていることがとても興味深く、演技へのヒントも盛りだくさんだった。

「何事についても、拍子（リズム、テンポ）があるものだが、兵法では拍子が大切であり、これは鍛錬なしには達しえないものである。
　拍子がはっきりしているのは舞踊や音楽などである。
　これは拍子がよく合うことによって、調子よくおこなわれる。
　武芸の道について、弓を射、鉄砲を打ち、馬に乗ることまでも、拍子・調子がある。
　いろいろな武芸や技能について、拍子を乱してはならぬ。
　二天一流の兵法の道は、朝に夕に、たゆみなく実践することによって自然と心が広くなり、集団的あるいは個人的な兵法として、世に伝えられるのである。」（宮本武蔵『五輪書』より抜粋）

 

以前は、いい俳優とは果たして毎公演同じ演技ができる俳優なのか、ということに、常に疑問を抱いていたけど、

実際の演劇マーケットは、作品の内容に関わらず、

上に行けば行くほど、

「再現性」、つまり、長期にわたる公演期間に耐えられる俳優が必然的に必要となってくる。

ここでいう「再現性」とは、

もちろん、演技のクオリティももちろんだが、大前提として、身体のコンディションを日々「再現」できること。

宮本武蔵のいう「拍子」の概念も同じで、

繰り返される稽古によって、身体の中に、リズムを叩き込む。

一定の「演技」の拍子は、それを刻むことができる「身体」をもってして、生まれる。

私が目指す「再現性」とは、窮屈でストレスフルな絶対繰り返しの演技ではなく、

身体の中に「拍子」があるからこそ、毎回自由にやっても狂わない「演技」のことなのではないか。

 

 

とりあえず、言葉で、ごちゃごちゃ言ってもしょうがないので、

自ら実験台となり最善を尽くします。