(コロナ禍での)滞在制作とは何か。

コロナ禍で、私が一番失ったと感じることは「移動の自由」である。

ハラスメントと同じで、何かを失ったり、制限されたりすることに、自らが気付き「傷つく」には少々時間がかかることがある。

78歳のイタリアの哲学者ジョルジオ・アガンベンは、

コロナ禍での発言により、大炎上を起こしたひとりである。

アガンベンが言及した二つの懸念は、「死者の権利」と「移動の権利」を剥奪されること。

まず、死者が葬儀の権利を持たないことに対して苦言を呈した。

そして、「移動の権利」の制限に関して。

アガンベン曰く、「移動の自由」は単に数ある自由のうちのひとつではなく、

苦難の末に勝ち得られた権利であり、

近代が権利として確立してきたさまざまな「自由の根源」にあるという。

つまり、「移動の自由」を制限されることをみとめてしまうということは、

大袈裟ではなく他の自由も失う可能性がすくそばに孕んでいるということ。

コロナ禍でパリー東京間を往復するとなると、現在日本で14日間、フランスで7日間の自宅待機を強いられ、計3週間失うことになる。

それでもコロナ禍に突入してから、3度の往復をした。毎回、飛行機の乗客は6、7人で、客室乗務員の数より少ない。

今回は、カナダで行われる予定だった新作クリエーションが、カナダへの渡航禁止に伴い現地での制作が不可能となり、

共演者がいる日本に私が渡航し、カナダにいる演出家と、東京での1週間の稽古を経て、城崎に移動し、さらに2週間半の滞在制作をすべてリモートで行った。

城崎にたどり着くまで、長い長い道のりがあった。3月フランスの感染状況は悪化していて、EU圏外への移動が制限されていた。ビザの更新のタイミングもあり、カナダ側は弁護士を雇って、私の渡航許可を取得するために奔走してくれた。私も、数々の書類を集め、県庁に数回足を運んだ。

成田空港に到着してからも、位置情報を随時提供するためのアプリをいくつもダウンロードしなければならず、PCR検査陰性の結果が出たあとも、政府の用意するホテルに3日間滞在することが必須となっていた。

自宅に戻ってからも、1日に何回も位置情報を求める通知がきて、携帯に頓着しない生活をしている私には少し重荷だった。

それでも、城崎国際アートセンターでの滞在制作だけを楽しみに14日間の軟禁生活を乗り切り、とうとう城崎にたどり着く。

当時の私の「滞在制作を楽しみに思う」気持ちは、非常に浅はかなものであった。

豊岡市に滞在するという意識は希薄で、「東京を離れ、温泉に入りながら創作に思う存分集中できる」というくらいのものであった。

しかし、コロナ禍におけるリモート創作という制約が功を奏し、結果的に「豊岡市という場所で、滞在制作をする」ということを日々認識しながらの滞在となる。

今回の作品の演出家である、カナダ在住のアーティスト:マリー・ブラッサール氏は、コロナ禍で作品を発表するにあたり、全ての可能性を視野にいれ創作を進めた。

私ともうひとりの出演者:奥野美和さん(ダンサー・振付家)がヨーロッパツアーで合流し3人で出演するバージョン、カナダは渡航禁止区域なので、私と奥野さんは映像出演で、マリー本人がひとりで出演するバージョン、そして、劇場が閉鎖してしまったときのための美術館等でも映像を展示できるインスタレーションバージョン。

急遽、日本側から映像監督として太田信吾さんにプロジェクトへの参加をお願いし、アートセンターのホールで、舞台用の稽古と屋外での映像撮影を並行して行った。

野外での映像にマリーがつきっきりで関与することは難しいと考え、撮影は日本チームで進めた。

滞在制作も、中盤に差し掛かった頃、マリーが、「コロナ禍で国際協働制作をするということは、それぞれが『権力』を手放していくことだと感じ始めている」、と少し寂しそうに口にしたことが非常に印象的であった。

演出家としても、プロジェクトの総監督としても、メンバーにすべての指示を出せなかったり、どうしても「任せる」部分が増えていってしまうのは、非常に不安な経験だったと思う。

それでも、彼女が想像していたものと違うものが私たちから提示された時にも、常に、そこに生じた「取り違え」を受け入れ、振り回されることに寛容であった。

私たちも然り、「わかりあえない」ことのもどかしさを逆手にとり、徐々に自分らの「想像力」を駆使し、全力で「勘違いする力」でした解釈を作品として提示できることの面白さを得た。

マリーは、城崎でのレジデンス開始当初から一貫して、

温泉とか街の散歩とか地元のものを食べよとか、チームでエンジョイしてね!ということをしきりに言っていて、

最初、私はその一言一言に苛立っていた。

私は、創作をしにここまできたのであって、観光をしている暇はない!と異様に焦っていた。

レジデンス4日目から城崎・竹野地区での撮影が始まり、

アートセンターの外を出て、野外での撮影(創作)が始まったことで、すべての景色が変わった。

街から与えられるインスピレーションの力は際限なく、

豊岡という「場所」とカナダで生まれた「物語」がどんどん交差し、また別の何かに変容していくさまに夢中になった。

その日から、温泉も街の散歩も地元のものを食べることも一切厭わなくなる。

滞在制作9日目の日曜日、豊岡の文化政策に多大な意味をもたらすことになる豊岡市長選挙が行われた。

出身地のさいたま市でも、今住んでいる東京とパリでも味わったことのない緊張感を感じ、

祈るような気持ちで開票結果を待った。

思うようにはいかなかった選挙の結果を経て、さらには、兵庫県が緊急事態宣言を出し、最悪とも思われるコンディションの中、たくさんの出会いがあった2週目。

豊岡高校の高校生が、遠足の一貫で、生徒さんのひとりが自ら先生に懇願して、アートセンターと私たちのリハーサルを見学しにきてくれたり、

コロナ禍でアートセンターが閉館している中、大学の先生とアートセンターの連携のもと、豊岡市に開校したばかりの芸術文化観光専門職大学の1年生たちが、通しリハーサルを観にきてくれたり、

アートセンターが企画して、豊岡の高校生と対談したり、

温泉寺に撮影に伺わせてもらい、温泉寺と城崎の歴史をお話ししてもらったり。

そんな日々の中、創作への熱量がどんどん上昇し、結果として稽古も進んだ。

個人的に重要だったことは、初めて日本人の観客の前で、フランス語で演じたこと。

劇場にもそんなに行ったことがないと言っていた大学生たちが、

彼らにとっては、なんの意味ももたないであろうフランス語の台詞を、全神経をつかって感じてくれているという体感は心から愛おしいものであった。

今後、私の俳優人生にも大きく影響するであろうくらい素敵な時間だった。

もうひとつは、共演者の美和さんと休憩時間に鮮魚を買いにいったこと。

時差の関係で毎日朝8時から稽古をしていたのだが、昼休憩の時に、夜タイのお刺身が食べたかったので、

美和さんと往復30分かけて魚屋さんに行った。

私は、本来こういう時間を無駄だと考えてしまいがちだが、城崎での生活には、生活に手をかけるということが、今一緒にいる人たちを大切にするということにつながると思ってしまう力があった。

自分でいうのもなんだけど、城崎の滞在を経て、すこし優しい人間になれたと思う。

「移動の自由」とは、

どこにでも好きな場所にいけるというころではなく、

その場所に自分がいてもいいということを感じられる自由であると思う。

城崎に行くことができる自由というより、

城崎にいてもいいと感じられることの方がよっぽど自由があった。

いてもいいと感じられるためには、こちら側がまず「自分が今どこにいるのか」ということに歩み寄る必要がある。

温泉では、東京から来ていることをバレないようにしようと心がけていたが、

閉めようとすれば閉めようとするほど、溝は深まる。

温泉でおばちゃんに声をかけられて、自然に世間話して、「また来てね」と言われたり。

よそ者でも「あけっぱなし」にしているからこそ、適度な情報開示をする姿勢によって、不信感を抱かせない程度のちょうどいい距離感が生まれたり。

コロナ禍で、「移動の自由」を守っていくために、そこに暮らす人々と、そこにやってくる 人々の間に、今後たくさんの壁が待ち受けていると思う。

それでも、私には「移動の自由」が必要だと自信を持って言える滞在を経験した。(それは本当にKIACのおかげ。)

まだ、うまく言語化できていないが、「滞在制作」という機能を再考させられる滞在となったことへの感謝を、関わっていただいた全ての皆さまに送ります。

ありがとうございました。

同志、美和さんと。Photo by Bozzo

コロナ以前作品の再演、怖くないですか。

フランスで新型コロナ感染者が1000人単位で増え始めた3月中頃、

2ヶ月くらい日本に避難しようと、

絶対に虫に食われたくないカシミヤセーター2枚だけを持って、

飛行機に飛び乗ってから早半年。

ここ10年でこんなにも長期的に日本に滞在したのも、舞台から離れたのもはじめて。

でも、演劇とは公演も稽古もなくても、べったりな毎日を過ごしていた。

演劇創作ができなくても、演劇の最強っぷりに、日々感嘆していた。

ちょっと外から演劇を眺めてもみても、これまた最高。

角度を変えて、また眺めてみても、全く飽きない。

つくづくわたしは演劇が好きなんだと思う。

俳優業ができないことも全く苦ではなく、日々演劇のことを考える。

 

そして、本日とうとうフランスに帰るまで1ヶ月を切る。

10月から教職研修と『千夜一夜物語』再演ツアーが始まる。

ちなみに、現在のフランスの感染者数は鰻登り。

1日あたり5000人単位で感染拡大が続いている。

 

コロナ禍で毎日耳にしていたの言葉、

アルコール消毒、手洗い、ソーシャルディスタンス。

これ全部、『千夜一夜物語』の再演をする上で無理です。

出演者みんな最低一回はキスシーンあるし、

裸で床にみんな一緒になだれ込むシーンあるし、

めっちゃ近くで怒鳴りあったりするし。

作品のドラマツルギーにより、強固に構築された数々のシーンが、

コロナ禍の身体感覚の前で、音を立てて崩れ去っていく。

そもそも、フランスやスペイン、イタリアなど、ヨーロッパのラテン系の国で、

コロナがあそこまで蔓延したのも、身体の距離間のせいだと思う。

3月はじめに、フランスでも、もう頬と頬と合わせてキスする挨拶はやめようという動きはあったが、

実際は、ハグもキスもそんなに減ってなかった。

日本人にとって、室内で靴を脱ぐことをやめろと言われるぐらい、

習慣を変えるというのは一筋縄にはいかない。

 

わたしは、フランスで完全外出制限が出される前に日本に戻ってきたので、

コロナ禍では、日本の身体感覚でこの半年間を過ごしてきた。

この身体感覚で、上記の演技をすることは、

フィクションといえど、ハレーションが生じることは目に見えている。

脱げといわれたからすぐ脱げる、泣けと言われたらすぐ泣ける俳優を、

そもそもわたしは目指していない。

それがプロの俳優と定義される現場なら、それは危険だから、わたしはやらない。

コロナ禍で身体感覚は明らかに変わったのに、コロナ以前に創られた舞台作品を、「もう作品として出来上がっているんだからやれ」「はい、わかりました」という態度は、

演劇に敬意を示すならとるべきではないと思う。

わたしは「怖い」から、プロの俳優として、

演出家にも共演者にも、しっかり「怖い」と伝えるつもりだ。

だって、怖いよ!

この「怖い」気持ちを無視するのは、

演劇という芸術に携わるものとして、わたしは間違っていると思う。

 

「怖い」という気持ちは、少しの対話と信頼で緩和されることは、もう知ってる。

もしかしたら、みんなの顔を見ただけで、もう怖くなくなってるかもしれないんだけど。

 

 

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長い長い夏休み最後の休日。津久井の森にて。

 

 

「俳優の交換可能による憂鬱」撃退法

一ヶ月以上ぶりの更新になってしまいました。

今年は移動が非常に多く、先日2ヶ月ぶりに自宅に戻って、2日後にはまた地方です。

6月の後半は、パリからTGVで45分のランスという街で、

2週間のレジデンス。

なんとこのリハーサル、1年半近く先のクリエーション『千夜一夜物語』のためのもの。

今年の2月から月に3日くらいの頻度でリハーサルが行われ、

少しづつキャスティングが固まりながら、

第一回目の2週間の集中リハーサル。

初演は、なんと2019年秋。

劇場に付随するアトリエを貸し切っての2週間。

主役は、まさに俳優。

まだ、台本も完成していない状態なので、

朝から晩まで、俳優が主体となって、

テーマに沿った作品を創りまくる。

振付家、ミュージシャン、サウンドアーティストが、私たちと一緒に滞在しており、

なんでも協力してくれる。

例えば、歌を歌うシーンを入れたいと思ったら、

前日に、ミュージシャンの人にyoutubeの動画を送っておくと、

翌日、ピアノもしくは、こちらが指定する楽器で演奏してくれる。

まさに、パラダイスな2週間。

 

『千夜一夜物語』を軸に、俳優各々が、

自分の興味に沿って、原文と格闘しながら、

「自分」と「作品」を結びつけていく。

 

私は、大好きなラップと、地元の「浦和おどり」とを、イスラム圏文化と結びつけて、

自分的には大作を創った。

講演会というかたちをとって、「イスラム圏と女性」というテーマで、2時間にわたる壮大なレクチャーを繰り広げた俳優もいた。

レバノン出身の歌手の半生を、歌と一人語りで作品にしたり、

ヨーロッパにおける移民問題をテーマにインプロビゼーションで作品を作ったり、

あとは、「語り」の筋トレということで、物語をシンプルに語る練習もした。

まさに、毎日がスペクタクル。

 

2週間の間、演出家ともう20年以上も一緒に仕事をしている、

ドラマトゥルクの人も、リハーサルに参加しているのだが、

演出家が、半分冗談のように、でも、繰り返し言っていたことが、

「俳優全員がドラマトゥルクになったら、かなり心強い!」

とのこと。

 

以前、このブログでも、フランスの演劇教育において、

「俳優ひとりひとりが、自らの『演出家』となることを求められている」

ということを書いたのだが、

今回は、その一歩先の感覚。

「俳優ひとりひとりが、作品の『ドラマトゥルク』となることを求められている」

そもそも、ドラマトゥルクとは何か?

ドラマトゥルクを知るための、一番オススメの本は、もちろんこちら。

平田栄一朗先生の『ドラマトゥルク―舞台芸術を進化/深化させる者』

この本の発売当時、まだ、日本ではほとんど聞きなれない仕事であった、ドラマトゥルクの役割。

本の中では、このように紹介されている。

「ドラマトゥルクは、演目や企画をプラニングしたり、舞台制作の条件と環境を整え、新作の制作プロセスにおける一つ一つの結果を判断し、他のスタッフに引き渡していく。また制作の芸術的(さらには社会政治的な)意図を観客や社会に橋渡しする。」(14p)

今回のレジデンスで、私たち俳優に求められたのは、後半の部分。

「また制作の芸術的(さらには社会政治的な)意図を観客や社会に橋渡しする。」

ある芸術的素材(今回の場合は、『千夜一夜物語』)を享受する側になったとき、

個人的に、強く「響く」場所における、「芸術的(さらには社会政治的な)意図」を掘り起こし、他者と共有していくこと。

 

このような創作環境においては、

俳優は、「作品」および「自分」という素材を深く観察することが求められる。

「この役、私じゃなくてもできるんじゃないか」

これは、俳優なら、だれしも、一度は感じたことがある感覚だと思う。

これを私は、「俳優の交換可能による憂鬱」と呼んでいるのだが、

先ほどの「『作品」』および『自分』という素材を観察する」という作業には、

「俳優の交換不可能による優越」を生み出す可能性を孕んでいるのではないだろうか。

 

「俳優の交換不可能による優越」を手に入れた俳優は、正直、無敵である。

しかし、俳優が、プチ・ドラマトゥルクになるために、

絶対必要条件は、創作期間のゆとりである。

本番、一ヶ月前に、ドラマトゥルクになれと言われても、無論無理である。

おそらく、結果を求めない本稽古前の「プレ」稽古は、

俳優に「俳優の交換不可能による優越」を提供する可能性に満ち満ちている。

 

そんなこんなで、抱えきれないほどのプレゼントをもらったこの2週間で、

私の演劇熱は、さらにヒートアップしている。

 

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女優は、「中年」役を恐れるべからず。

一気に暖かくなった、パリを離れて、

アビニョン演劇祭に向けた稽古のため、Valenceに滞在しています。

CERTAINES N’AVAIENT JAMAIS VU LA MER

場所は、アビニョン「IN」の会場の中でも、1,2位を争う人気の場所。

CLOÎTRE DES CARMES

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外が暗くならないと、開演できないので、

開演時間は、なんと22時。

野外会場が多い、アビニョンのプログラムの中では、平均的な開演時間である。

 

初めての野外公演ということもあって、

常に、喉と声を心配しながら、リハーサルを行っている。

ここ2年近く、フランスでは、600席以上の規模の会場が多かったので、

だいぶ、発声も鍛えられたと思っていたところに、またまた落とし穴。

 

作品の中の一場面で、初めての母親役。

女優7人がメインの作品なのだが、

そのシーンに関しては、子供役3人と母親役4人でやることになっていて、

まさか、自分が母親役に配役されるとは思わなかった。

 

年齢的には、もう30歳なので、母親役が来てもおかしくない年なのかもしれないが、

ヨーロッパで暮らしていると、アジア人ということもあって、

若く見られて当たり前。

そのことを意識したこともないし、

「実年齢より、若く見られたい」などと意識的に思ったことなどないのだが、

どうやら、声と身体は、無意識に欲していたようだ。

 

まずは、自分は母親役ができるくらいの外見なんだというショック。

演出家には、声に重みがないという指摘。

 

フランス語の解釈の面で、もう困ることもないけれど、

いくら頑張っても消せないのが、アクセント。

このアクセントの方に、いつの間にか、引っ張られ、

声も、アクセントに合わせて、子どもっぽくなってしまっていることに気づく。

 

実際、今までは、役的にも、少女的な役を与えられることが多かったので、

それで通用してきたのだが、今回は、「逃げ道」という名の武器をまんまと封じられてしまった感じ。

 

同時に、自分が「実年齢よりも若い」役を、演じることが多いことに、

無意識に、女性として優越感を感じていたのではないか、と思うとぞっとする。

 

日本のテレビや雑誌で、特集されるような、

実年齢より若く見える、綺麗すぎる「美魔女」たちがもてはやされる世の中に、

いつのまにか洗脳されていたのかも。

メディアの力、恐るべし。

 

個人的には、日本を離れた時点で、

女優という職業上、

逃れられないであろう、「他人と外見を比べる」という呪縛からは、

逃れたと自負していたのだが、

年齢に関しては、人種は関係ない。

 

年とともに、外見も変わっていく。

 

女性のいつまでも若く見られたいという願望は、

女優にとって、実に厄介なものである。

 

外見を武器にしていない女優であっても、

「中年」の役を楽しめない限り、

女優の生き延びる道はないからである。

 

まさに、その転機となるのが、30代前半であると、苦くも、実感する日々である。

20代の役の倍率と、40代の役の倍率、どちらが高いかなど、比べるまでもない。

俳優として生きていくことを目指す、若い才能は、掃いて捨てるほどいるのが現実である。

 

「中年」の役を楽しめるか。

ここ数日ずっと考えていたのだが、

それは、「重力」を楽しめるか、

ということのではないかという気がしてきた。

20代にはない、身体の重み、声の重み、そして、人間の厚み。

これらの「重力」を、少しづつ感じられるようになってきたところで、

ようやく、声のトーンが、子供っぽいアクセントに引っ張られることなく、

緩やかに、緩やかに、下降していく。

 

正直、20代の頃と比べて、

「失った」と感じてしまうことだってある。

変わりなく生活しているようでも、

身体は丸くなるし、

顔にシワもできる。

でも、やっぱり「中年」の役を演じるために必要な、

この「重力」を手に入れたいと思う。

そして、おそらくこの「重力」と同時に期待するのが、

「静のエネルギー」

 

若い頃は、なんでも、元気が一番。

オーディションでも、声が大きくて、明るい子は、

決まって好印象。

 

私が、好きな「中年」の役が演じられる女優たちが持っているのは、

「静のエネルギー」

舞台の上に、ぽーんと「沈黙」を投げ込むことだって厭わない。

空間全体を包み込むようなエネルギーが、

温度となり、地を這り、

観客を、彼らの足先から捕らえていく。

 

俳優の身体は、

商売道具。

そして、なんといっても、可塑性に優れている。

だから、「現在」の自分の身体を、商売道具として使いこなすために、

精神のアップデートを常に求められる。

年をとるだけ、

アップデートした回数も増える。

「失う」ものは何もない。

 

幸せなのは、「中年」を演じることのできる素敵な女優たちに囲まれて仕事をしていること。

だから、私も、早く「中年」を演じられるようになりたいと思える。

つまり、「中年」かっこいい!と、若い世代に思わせるような女優を目指さないと。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

スターと仕事

日本での公演が終わり、

時差ぼけが全く抜けないまま、

南仏に飛んで、アビニョン演劇祭に向けての新作の稽古が始まった。

今回は、Valenceという場所にあるLa comédie de Valence という公共劇場のプロダクションで、そこの劇場の芸術監督Richard Brunelが演出する作品である。

『Certaines n’avaient jamais vu la mer』

これは、日系アメリカ人のジュリー・オオツカ氏によってもともと英語で書かれた小説で、

日本語では、『屋根裏の仏さま』というタイトルで出版されている。

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http://www.shinchosha.co.jp/book/590125/

 

渡仏したばかりの頃、

演劇で扱う作品は、難しくても、原文で読む努力をした方がいいのだろうと思い、

辞書を片手に、数日かけて読んでいたのだが、

ある日、母に、日本語訳が出てるものは、日本語で読めばいいのよ、と言われた。

その言葉に、「原文で読破=素晴らしい」幻想が、一気に消え、

フランス語がわかるようになった今でも、

新しい作品に取り組む時は、

まず、日本語訳があるか、アマゾンで検索している。

おかげで、本棚は、古典の日本語訳に溢れている。

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そして、今回も難なく発見。

 

『屋根裏の仏さま』の主人公は「わたしたち」。

20世紀初頭に「写真花嫁」としてアメリカに渡った日本人女性たちを、

作者が「一人称複数形」という一風変わった手法で、見事に書き上げている。

フランスの女性版ゴンクール賞と言われる、フェミナ賞を受賞したこの本は、一度読んだら忘れられない、独特なリズムとメロディーを奏でる、まるで楽譜のような小説である。

過去にも、この小説を舞台化したいと考えた演出家は、多く存在したらしく、

そのつど、作家は、イメージをすることができないと断っていたらしいのだが、

Richardの根気強い交渉の末、アビニョン演劇祭公式プログラム作品ということもあり、

彼女がいつも執筆場所に使っているニューヨークの小さなカフェでの話し合いの末、上演許可がおりたそう。

 

「写真花嫁」という、いまいち聞きなれないこのワードは、歴史上に実際にあった出来事である。

20世紀初頭に写真だけの見合いで、米国や南米の日本人移住者の元へ嫁いでいった日本人女性たちのことである。

夫となる人のハンサムな男性の写真に希望を抱き、海を越えてやってきた「わたしたち」は、

さえない中年男性たちに迎えられる。

写真は、昔のものであったり、友人のものであったり、本人とは、似ても似つかないものであった。

そして、「わたしたち」には、過酷な重労働と、異国での差別に苦しむ生活が描かれている。

とは言っても、具体的なひとりの「わたし」の物語ではないので、

あくまでも、心地よい距離感のなか、時にはおかしく、時にはかなしく、「わたしたち」の物語は進んでいく。

 

アジア系俳優中心のキャスティングのなか、

なんといっても、目玉は、アメリカ人役を務める、ナタリー・デセイ氏。

2013年10月にオペラ歌手を引退するまで、

ヨーロッパのトップソプラノ歌手として君臨し、

オペラにあまり明るくない私でさえ、引退が決まってからのコンサートに、

当日、3時間以上並んで、チケットを獲得したくらいである。

 

引退後は、女優として活動を再開し、今回が女優として3回目の舞台出演となる。

 

2月に行われたプレ稽古の最後の3日間に合流したナタリー・デセイは、

まさに、スターの風格をまとってはいたものの、

稽古が始まるや否や、

実に痛快な集中力を見せつけた。

そもそも、その日の稽古の課題が、

グループごとに、小説のあるシーンを舞台化するというものだったのだが、

まさかの、ナタリー・デセイと同じグループ。

世界を相手に舞台に立ってきた彼女は、

経験値の全く違う、

自分よりも20歳以上も若い俳優たちに混じって、

ただただ、与えられた時間の中で最高のものを創ろうとしていた。

その姿は、「スター」というよりは、むしろ、「こども」。

私の「スター」に対する固定観念は、その瞬間に音を立てて崩れる。

 

「スター」になればなるほど、仕事が増える。

仕事が増えれば増えるほど、時間がなくなる。

そのジレンマの中で、高いクオリティーを維持するには、

「今」という時間の密度を最大限まで高めることなのだと、ナタリーの姿勢を見て学んだ。

グループで話し合うときも、

発表前に準備しているときも、

もちろん、舞台に立っているときも、

「今」この瞬間に、「エンゲージ (engage) 」する力が非常に高いのだ。

そもそも、この「エンゲージ」という言葉には、「契約」という意味のほかに、

「戦闘態勢に入る」という意味もあるのだが、

まさに、「戦闘態勢に入っている」時間が非常に長い。

物事、もしくは、誰かに対して、その瞬間、どこまで深く関わることができるか。

 

流れている時間の長さを変えることはできないが、

流れている時間の「密度」は変えることができる。

こうやって、「スター」たちは、「密度」を上げることで、

他の人の何倍もの時間を、

創作に費やしてきたのだろう。

 

演劇は、スマホ的効率の良さに対して、対極に位置する芸術だ。

スマホ世代の私たちは、
だからこそ、スマホで簡単に繋がることができる外の世界ではなく、
まず、「今」「ここ」にエンゲージする力が必要なのだ。